IL CENTRO DI SARRO TORNA A CAPE TOWN

JACOPO BENCI, DÉBRAYAGES
curated by Maddalena Rinaldi
27 September - 15 October 2011

Opening: Tuesday 27 September at 18.00 h

Tuesday 27 september at 6 pm opens at Centro Luigi Di Sarro in Rome the solo exibition Jacopo Benci. Débrayages, curated by Maddalena Rinaldi.

The exhibition offers a selection of the abundant production of the artist (recent and previously unseen works) by presenting the phenomenological view that the artist takes on reality.
The ‘disengagement’ or débrayage (of time, space, or subject), a concept derived from Greimas, is the leitmotif of the exhibition, organized by thematic areas: non-self, not-now, not-here.
In the photographs of Benci, the split between artistic statement and representation of the image is in fact a constant that is manifested by an absence: simulacra of past subjectivity, temporality, and spatiality. Simulacra through which the artist weaves stories, describes landscapes, establishes profound relationships between the visible of the everyday and what is hidden in his own consciousness.  His photographs, such débrayages, narrate the relationship between the individual and the territory, almost always deliberately anonymous and unknown.
Jacopo Benci’s aesthetic research has always been aimed at revealing the intimate and profound nature of the place of belonging. The artist questions himself – even today, in a world completely explored and technologized – about the possible meanings of his motherland, digging back in time to uncover a layering of cultures, identities and meanings hidden behind the appearances of the everyday landscape in which he lives.
For Benci, the photographic gaze is a tool to understand the urban and natural reality to which he belongs. Inherent in his photographs is a visual perception, which is sensitive and open to new and unexplored territory.
Thresholds, limits, passages, but also appearances, recollections, and memories are the subjects of Sentieri Invisibili (2011) but also of Lontano e Luminoso (2009), through the depth of which the artist traces singular epiphanies, unearthed in the everyday aspects of the environment, lived in day after day. Sudden appearances, in his images, lead the spectator of the beholder towards the disclosure of other universes, universes upon which the artist builds his own identity.

Jacopo Benci lives and works in Rome. His artistic work includes photography, installation, video, film, performance. It has been exhibited in galleries and museums and presented in video festivals, in Italy, Argentina, Ecuador, France, Germany, Great Britain, Hungary, The Netherlands, Russia, United States, Thailand.
His most recent solo exhibitions to date are, Un itinerario possibile – A possible itinerary 1981-2011, MLAC Museo Laboratorio di Arte Contemporanea, ‘Sapienza’ University, Rome, curated by Lucrezia Cippitelli (2011); Jacopo Benci. Itinerari in video (part of the series ‘Testi e Testimoni IV’, organized by the House of Memory and History), Sala Santa Rita, Rome (2011); Sentieri invisibili, Hybrida Contemporanea, Rome, curated by Martina Sconci (2010); L’infraordinario, TraLeVolte, Rome, curated by Rossella Caruso (2008, part of the ‘FotoGrafia’ festival 2008).
Since 1998 Benci is Assistant Director for Fine Arts at the British School at Rome; in this role, he has coordinated more than 40 exhibitions of British artists at the BSR and other venues in Rome and Italy. In 2006 he curated the exhibition Responding to Rome. British Artists in Rome 1995-2005 at the Estorick Collection, London.

This event is organized in occasion of  Day of the Contemporary 

 promoted by AMACI 

Jacopo Benci, Débrayages
Curated by Maddalena Rinaldi
27 September - 15 October 2011
Tuesday -  Saturday   5 pm/8 pm
Centro di documentazione della ricerca artistica contemporanea Luigi Di Sarro
via Paolo Emilio 28, 00192 Roma  tel. 06 3243513
http://www.centroluigidisarro.it  info@centroluigidisarro.it

Luigi Di Sarro. Morfologie esistenziali

Recanati, Museo civico di Villa Colloredo Mels
23 settembre – 30 ottobre 2011

Mostra a cura di Paola Ballesi

35 opere dell’artista medico Luigi di Sarro

Si apre il 23 settembre alle ore 18:00 la mostra
promossa dal Comune di Recanati in collaborazione con il Centro di documentazione e ricerca artistica “Luigi Di Sarro” di Roma, con l’Associazione “Spazio Cultura” di Recanati e con il patrocinio dell’Assessorato alla Cultura della Provincia di Macerata

Morfologie esistenziali è il tema della mostra in omaggio a Luigi Di Sarro, medico e artista, già docente di Anatomia all’Accademia di Belle Arti prima di Macerata poi di Roma, che negli anni Sessanta e Settanta aveva maturato un’importante ricerca sperimentale sul linguaggio figurativo e le sue forme.
Una ricerca nutrita di grande libertà espressiva, libera come la sua giovane vita improvvisamente interrotta la notte del 24 febbraio 1979 quando incontrò un assurdo destino. Luigi Di Sarro è morto a 37 anni, ucciso per un tragico errore da forze dell’ordine in borghese durante i controlli nella capitale nel cosiddetto periodo degli “anni di piombo”.
Alla dolorosissima perdita la famiglia ha cercato di reagire fondando il Centro “Luigi Di Sarro”, uno spazio nel quartiere Prati di Roma per ospitare il suo archivio e promuovere giovani artisti emergenti, attraverso cui l’amore dell’arte per la vita e della vita per l’arte possa continuamente rinnovarsi e trovare ulteriori appassionate conferme.

Luigi Di Sarro appartiene a quella generazione di artisti utopici che hanno attraversato con varia fortuna la metà degli anni Sessanta e tutti gli anni Settanta, convinti che l’arte dovesse farsi carico di un radicale progetto di cambiamento dei propri linguaggi e di tutto il mondo.

La mostra ricostruisce l’ultima stagione dell’artista, che affida al segno e al gesto visivo le sue intense prospezioni esistenziali frutto di una ricerca di carattere sperimentale allo scandaglio della morfologia e dei segreti dell’immagine strettamente e intimamente intrecciati con gli enigmi della vita, documentati  con opere di grafica, fotomontaggi e fotografie cui l’artista ha consegnato forse il percorso investigativo a lui più congeniale.

Libertà e Destino

a cura di Paola Ballesi e Roberto Cresti

Macerata,  Palazzo Buonaccorsi
23 luglio-3 settembre 2011

Inaugurazione 23 luglio ore 19:00

Nell'ambito della Rassegna Sferisterio Opera Festival 2011 una mostra di arte contemporanea organizzata dall'Accademia delle arti di Macerata (ADAM) in collaborazione con l'Associazione DiViniVersi, l’Istituzione Macerata Cultura, il Comune di Macerata, l’Associazione Arena Sferisterio, con il patrocinio della Provincia di Macerata e con il contributo finanziario della Camera di Commercio di Macerata, ha proposto una rivisitazione del tema Libertà e destino dal punto di vista della sperimentazione artistica. un percorso narrativo articolato in tre sezioni tematiche: Vanitas Vanitatum, Sulle ali della libertà e Sorte, fortuna, destino, con 30 opere composte con le tecniche più svariate, da quelle tradizionali alle nuove tecnologie, ma con una forte prevalenza della fotografia che nel panorama artistico attuale sembra  più attrezzata ad esprimere lo spirito e l’immaginario del nostro tempo.

“Un proyecto especìfico” it is the installation realized in The Havana by Paolo Bini and Catherine Biocca for the XIII Settimana of the Italian Culture of the 2010. The two artists selected by the Center Luigi Di Sarro on invitation of the Italian Embassy to Cuba have exposed their job in the rooms of the Convent of St. Francis to The Havana Old and during their permanence you/they have planned and realized a work site-specific that represented their meeting with the Cuban reality. Of this prolific experience has been realized a catalog that the photographic story of the show picks up done in The Havana, accompanied by the texts of the Ambassador Marco Baccin and Alessandra Atti Di Sarro that the project has taken care of. They are some years that the Center Luigi Di Sarro hands before artistic initiatives of this kind in different areas of the world with the objective to promote the meeting, the knowledge and the comparison. The show that is inaugurated in Rome, over that to realize the Cuban experience, wants to open the debate on the importance of the cultural dialogue, especially in the environment of the search and the experimentation.

Giovanni Buzi was an artist and a writer. The hallmark of his works is an endless quest into the tonalities of colour. His abiding fascination is faces - in portraits, self-portraits, masks - a constant interplay of wonderment between the visible and invisible.

La solitudine del ritorno

 “Il Possibile” di Michele Prezioso è un attraversamento spietato e ironico, un viaggio interinale, interplanetario e interculturale in luoghi simbolici e spazi  quotidiani apparentemente lontani anni luce,  che crea connessioni neurali tra Breton e Wittgenstein, Borges e Truffaut , toy story e  manga, fantascienza, robotica e ingegneria genetica, che l’artista lega con un filo concettuale  poetico in una matassa linguistica il cui bandolo è offerto allo spettatore chiamato a inoltrarsi in una dimensione del possibile ovvero altra, che può rivelarsi un buco nero in cui sprofondare o una costellazione di soglia da attraversare come un labirinto di specchi, con fluidità e destrezza. La posta in gioco è quella di ritrovare un’identità collettiva attraverso la perdita dei riferimenti e degli stereotipi,  un luogo comune e molteplice in cui riconoscersi ritrovando lo slancio verso la vita vissuta come trasformazione etica e ricerca delle verità profonde, nascoste ai più. Attraverso lavori inediti e opere recenti, pittura e ready made, forme siderali e ataviche, oggetti trovati e cercati , tra proto-design  e gadget pop, memorie letterarie e filosofiche, frammenti di vissuto, crea un cortocircuito del senso, una  dis-locazione:  spiazzando l’osservatore apre ad una dimensione dell’essere  con  un retrogusto inquietante,  lievemente perturbante, direbbe Freud.  Disegnando un itinerario di fuga dalla vita quotidiana dove convergono atopia e utopia, ci porta altrove  riconducendoci paradossalmente alle nostre origini e facendoci ritrovare noi stessi. Sostanzialmente un percorso di solitudine, quella della partenza e dell’arrivo e quella ancora più irreversibile del ritorno, come dice Marc Augé.
Prezioso, artista sommerso e inviato speciale, si cala nel ruolo di regista di una fiction visionaria e spietata un reportage allucinato che offre momenti di innocenza e disincanto oscillando tra astrazione e contingenza , con una capacità di immersione e un’attitudine innata nel  portare alla luce tesori nascosti,  riesumare organismi ibridi, cartografie di mondi immaginari e storie fantastiche di ordinaria follia, in una messa in scena da teatro dell’assurdo, che ti cattura come un sogno ad occhi aperti con l’incubo sempre in agguato. Il problema è solo separare la realtà dalla finzione: ma questo è possibile passando attraverso lo sguardo specchiato di Levy, la creatura di pensiero appena caduta dalle nuvole del pianeta azzurro che appena tocca  terra ha nostalgia del suo altrove, ovvero della sua preziosa (è il caso di dire) umanità.

Patrizia Ferri

Curata da Massimo Bignardi, la mostra (che propone un ciclo di opere realizzate dall’artista pugliese per questa occasione) inquadra nel titolo Rovine quattro, tra i tanti possibili temi intorno ai quali porre riflessioni sulla contemporaneità e il suo ‘amoroso’ rapporto con la memoria. De Palma ha scelto, per porre un immediato dialogo con la Città Eterna, la poesia di Rainer Maria Rilke, posizionato lo specchio dell’immaginario tale da accogliere quattro temi o lui cari: la Poesia, l’Arte, la Bellezza e il Tempo. “Quattro temi che ripropongono – scrive Bignardi nel testo al catalogo pubblicato da Claudio Grenzi Editore – ancora la centralità del ‘classico’ inteso come corpo capace di produrre una reazione al tendenzioso scivolare verso l’apparenza dell’opaca mondanità, propria di questi nostri anni. ‘Classico’ come sperimentazione di una nuova figurazione, pronta a farsi immagine del verso poetico, nella piena consapevolezza di una libertà interiore assunta come ‘autenticità’. Gli acquerelli, innanzi tutto, poi i disegni a pastello e matite colorate che fanno da sopporto a figure di giovani, di ninfe, di meduse ritagliati nella sagoma e  sovrapposti, spessore su spessore, al nero assoluto del fondo; infine la scrittura proposta nella traccia luminosa della grafite che solca il campo nero e infinito del foglio. Teo de Palma rilegge Rilke fuori dai registri che solitamente tengono legata la poesia all’immagine; anzi si serve di soggetti immaginativi che si propongono come completamento, come elementi capaci di dare al verso una nuova consistenza, appunto di segnatura, dunque presenze di un archivio mentale al quale l’artista non fa mancare una certa sperimentazione anche sul piano formale. Quello che propone da tempo l’artista non è una riappropriazione del ‘classico’, quanto un’avvertita rinascita interiore, intesa come necessità che non implica livelli attinti dai modelli, quindi una declinazione in odore di ‘classicismo’, un modo di procedere assecondando il suo immaginario alla nostalgia. Lo scatto del colore, ancora decisamente astratto, porta le figure al di là della soglia di una possibile configurazione intellettuale-simbolica: esso continua a rispondere alla sfera emotiva, alla sintassi dell’espressione.”
Le “tre stanze” disegnate per l’occasione, seguono le suggestioni sollecitate da tre tempi immaginativi: dai “Sonetti ad Orfeo”, dalle “poesie sparse” e dalle “rovine”. Dapprima piccoli fogli danno vita ad una grande parete, un’installazione che chiede supporto ad una tessitura di scritture e di piccoli segni , poi i grandi acquerelli che scandiscono i ritmi bianchi delle pareti che organizzano le successive stanze. 

Una mostra itinerante di tre artiste - ma non è una mostra di genere - accompagnate da un critico amico, per un viaggio che comincia ora ma si vuole assai lungo, per l'Italia e all'estero.
Le artiste si presentano con tutte le loro differenze ma con un filo che, in un qualche modo, le unifica: tutte e tre, infatti, lavorano su quel margine indefinibile che separa la realtà dall'apparenza, la verità dall'opinione. Problema questo che ha coinvolto la filosofia fin dal suo lontano apparire, senza che mai si sia trovata una soluzione, se non sul piano soggettivo.
Così Pippa Bacca trasforma, con le forbici, la foglia di una specie in un'altra di specie diversa. Pina Inferrera realizza delle fotografie in cui si trasformano gli elementi reali, la natura e lei stessa. Luisa Mazza compone delle installazioni con sfere di vetro su cui ci si può specchiare, ma l'immagine viene, anche qui, deformata.
Naturalmente tutti gli attori di questa iniziativa dedicano a Pippa Bacca questo viaggio, anche perché lei del viaggio ne aveva fatto la sua poetica.

La mostra, già presentata a Milano (Derbylius Libreria Galleria), dopo Roma proseguirà a Perugia (Centro per l’Arte Contemporanea Trebisonda dal 16 aprile).

A cura di Claudia Colasanti

FUMO è una mostra a tre - un confronto fra autori di area concettuale - che si configura come un dialogo su un tema  scomodo, a prima vista non centrale e non del tutto ‘estetico’ e piacevole.
Il fumo, anche e soprattutto quello emesso dal tabacco contenuto nelle  sigarette, è per taluni un vizio, un’abitudine, ma può diventare una compulsione, un tic,  una gestualità perversa, una vera e propria malattia.
Per Paolo Residori, cui si deve l’intuizione della mostra, la sigaretta (e il suo residuo, il mozzicone) rappresenta un assillo quotidiano, diventato con il tempo un tappeto visivo deformato. La sua ossessione si è mutata nella consapevolezza di voler identificare un colpevole definitivo nel corpo di quel frammento maleodorante. La ‘cicca’ diventa, nella sua grande installazione e nei suoi scatti fotografici (composti e organizzati grazie ad una paziente raccolta di scarti inquinanti), la testimonianza di un delitto, l’emblema del male, della dipendenza, di gran parte dell’inquinamento globale del pianeta.
Sigarette consumate e mozziconi sono al centro anche del prelievo di Pino Boresta, che anni fa realizzò il R.A.U (Ritrovamenti Arteologici Urbani), intervento che consisteva nel recupero di reperti fra i microrifiuti urbani delle strade di Roma. Boresta, che è un non-fumatore, in mostra attenderà che i visitatori fumatori gli consegnino il loro ultimo mozzicone e fornirà loro un certificato autografato, con la scritta “..SOLO PER FUMATORI… QUESTA NON è LA MIA ULTIMA SIGARETTA”. 
Un approccio distante dai precedenti, che riesce a tradurre una sostanza residua come il fumo di candela in un’astrazione poetica, è quello di Cesare Pietroiusti. Si tratta di una serie di disegni su carta (una parte di cento esemplari numerati e firmati) densi di toni fra il grigio e il marrone scuro, i cui proventi verranno interamente devoluti all’Associazione Alzheimer di Roma.

Pino  Boresta è nato nel 1962 a Roma, dove vive e lavora. Il suo lavoro è incessante e capillare, urbanamente onnipresente: il suo viso deformato da smorfie è impresso su muri, cartelloni pubblicitari, insegne stradali, pali della luce, semafori. Il ritratto di Pino Boresta è ovunque nelle città, per ricordarci l’esistenza di sé e della sua irrequietezza artistica ed esistenziale: ci invita a reagire, a rispondere, ad insultare, se necessario. Boresta agisce da provocatore e da  raccoglitore: è un catalogatore umano di oggetti, scarti, tracce, idee e persino residui umani e spazzatura. Un lavoro costante che si sviluppa proprio in direzione dell’ossessione: verso l’identità, il lavoro e i gesti quotidiani.

La ricerca artistica di Cesare Pietroiusti (Roma, 1955) esprime interesse per le situazioni paradossali o problematiche nascoste nelle pieghe della ordinarietà dell'esistenza - pensieri che vengono in mente senza un motivo apparente, piccole preoccupazioni, quasi-ossessioni considerate troppo insignificanti per diventare motivo di analisi, o di auto-rappresentazione. Tutto ciò lo ha portato ad  esplorare scelte e intenzioni formulate da altri, nonché a cercare di fare proprie tali scelte altrui. Negli ultimi anni il suo lavoro si è concentrato soprattutto sul tema dello scambio e sui paradossi che possono crearsi nelle pieghe dei sistemi e degli ordinamenti economici. A partire dal 2004 ha  distribuito gratuitamente decine di migliaia di disegni individualmente prodotti e firmati; venduto storie; ingerito banconote al termine di un’asta per poi restituirle al legittimo proprietario dopo l’evacuazione;   organizzato ristoranti in cui al termine del pasto, invece di pagare, si ricevono i soldi del prezzo del cibo scritto sul menu, allestito mostre in cui le opere sono in vendita non in cambio di denaro, ma delle idee o delle proposte dei visitatori.

Paolo Residori è nato a Roma nel 1953, città dove vive e lavora. La sua visione geometrica del mondo deriva dalla grafica editoriale, che lo impegna sul versante lavorativo. Dopo il 2000 la sua pittura si sposta dalla struttura del ritmo scandito a nuove modalità espressive. Una produzione da cui emerge anche una tendenza meditativa, sempre più collegata a soggetti sociali: le grandi forme astratte sono rappresentazioni di un reale contraddittorio e sfaccettato. Un atteggiamento quasi spregiudicato nell’ignorare mode e tendenze, che gli ha permesso di guardare con interesse in tante direzioni per poi imboccare esclusivamente la strada dell’istinto. Lo stesso motivo che lo spinge, in questo periodo, a misurarsi con nuove forme installative: come nella pittura non ha mai smesso di rinnovarsi, ora l’urgenza di esprimere un’emergenza sociale non più trascurabile crea un sorprendente incontro con la tridimensionalità. Nata da uno stato di irrequietezza mentale nei confronti del crescente degrado ambientale, Residori ora crea metafore visive di grande impatto, che si esplicitano in un’incisiva critica ideologica nei confronti del consumismo. Una scelta rilevante, che lo induce a presentare materiali tra i più imprevedibili, e che sancisce il delicato passaggio che intercorre tra l'idea e la sua realizzazione. 

Elda Longo is the girl of the mismatched shoes. Hers is a bizarre dualism which expresses the strong desire to consider identity as the result of a hint of contrast, a subtle diversity, a faint touch of dialectic. In this provocative rise is found the all the intellectual shrewdness of a multifaceted artist who sets off on the roads of the world and art in this way. Longo lives the language as an utter, penetrating experience. She allows herself to be captured by a process of progressive reinvention of the image in order to give birth to a sensorial, perceptual absorption wherein the differences are resolved in a higher unit. Even in her artistic production Longo dodges conventionality resorting to a pursuit which makes use of both age-old and ultramodern techniques. Starting-off from a photograph, the image’s definition is lowered and translated into electronic form; the pixels, having so been emphasized, take on the aspect of blurriness which in turn evokes the mosaic-effect. The step from the pixels to mosaic tiles is conceptually brief although materially distant. The evanescent substance of colors in the electronic dimension transits into the very physical one of the glass tile which composes the mosaic. The colored fragments go beyond the flat surface to gain emphasis and give substance to a jutting, three-dimensional material. The virtual mosaic becomes a pretext for a real mosaic design, which all the same never completes itself on the surface but only limits itself to large patches. The visual effect that results is striking and fascinating, with that high-handed blur of tremulous and indefinite forms, with that sheer tonal and gradual texture. The pixels, which are, after all, the base-unit of electronic language (televisions, computers, cell phones), implode a vision towards a less dense dimension and cause the collapse of the perception in a micro universe of abstract particles. The theme in these mosaicked photograms serves another conceptual elaboration, insofar along with the operation of expressive strengthening, there is the subject of the opera. The choice of symbolic monuments and emblematic views of the most famous cities in the world not only constitutes a powerful travel reportage, but the nocturnal shot bestows yet another powerful influence. The artificial and multi-colored lights that shine in the night create an unusual view, crawling with phantasmagoric geometries. The architecture of yesterday and that of today are outlined on the black skies and slowly make themselves unrecognizable, sloping down the glance towards a minute abstraction. Even the enucleating of details alters the conventional visions of the locations which, fragmented in this solution, are loaded with new seduction. The part, in its extreme reduction of terms, shattered to monads and decontextualized, maintains the entire value which actually becomes enriched of magic. This visual synecdoche generates spectacular architectures and enchanting buildings, unreal in its scaled substance. The weave of tiles graduated by color, tone and prominence covers the digitally printed canvas, so as to give internal energy to the shapes, in a kinetic and mysterious buzzing. The dynamism that derives, while evoking classic (the Roman mosaics) and medieval (the Byzantine mosaics) moods suggests neo-futuristic declinations. The electric colors and the electronic fascination clearly bring to a context of modernity, but the retrieving of traditional pictorial techniques and the taste for monuments of the past collocate Longo’s search in a post-modern movement. The strong contrast between the lights and shadows generates light-dynamic scenographies, which unifies the nights of every urbanized location, as if all the architectural symbols belong to a single huge virtual city where neon lights delineate the façade of historical buildings, in Paris like in London, in New York like in Rome, in Berlin like in Naples, in Athens like in Milan, in Sydney like in Rio de Janeiro. Even native Cosenza participates in this ideal tour made of nocturnal stop-overs animated by lit windows, colored signs, luminescent structures. Everything seems to be one big Las Vegas, sparkling, erotized by the lux which excite the night’s cloak. And the light-strewn night, melancholic and silent, calls to meditation, it becomes a metaphor of life. Everything becomes allegorical, allusive of elementary conflicts, of a single unit made of multiple details, of a knowledge which is carried out on the fine line of diversity, where the elements separate, but they also unite. Like a kiteboarder, who between sky and sea is twirled by a kite on the water’s surface. Longo’s is a painting made of light and glass, of air and transparencies, of electromagnetic waves and of poetry, eternal intruder among man’s things, extenuative explorer of the world’s great mystery.

DISEGNO IN SEGNO ...attraverso l’eloquenza del segno…
a cura di Edelweiss Molina
testo critico Tiziana D’Acchille

inaugurazione: martedì 23 novembre 2010, h 18.00
e fino al 18 dicembre 2010 (dal martedì al sabato orario 17-20)

Il Centro Luigi Di Sarro in collaborazione con l’Accademia di Belle Arti di Roma presenta la rassegna espositiva DISEGNO IN SEGNO …attraverso l’eloquenza del segno… , a cura di Edelweiss Molina e con testo critico di Tiziana D’Acchille.
Il "Centro di documentazione della ricerca artistica contemporanea Luigi Di Sarro", attivo dal 1981 nella promozione dell’arte, diventa ancora una volta teatro e palcoscenico di esperienze artistiche legate al territorio.
Sei docenti di diverse discipline AFFRESCO, DISEGNO-PLASTICA ORNAMENTALE, DISEGNO-DECORAZIONE,SCULTURA, NEW MEDIA ART, TECNICHE E TECNOLOGIE DELLA GRAFICA presentano 13 opere realizzate dagli artisti in formazione della storica Accademia di Belle Arti di via Ripetta:
Stefania Vanni - Ambra Nadalini - Matilde Ricci - Federica Burzi - Chiara Bignami -  Gruppo Opera Aperta (Giulia Lucarini, Vittoria Diana, Fernando Ciminelli) - Vittoria Lauteri - Katiuscia Santonicola -Thiago Contini - Roberto Pecchioli - Accursio Graffeo - Valeria De Felice - Maria Soledad - Giorgia Tempesta.  
Obiettivo dell’iniziativa è quella di promuovere e catalogare le varie espressioni del Segno attraverso il linguaggio di ogni specifica modalità esecutiva.
Un’indagine grafico-formale, ritagliata secondo il linguaggio autentico di ognuno. Una mostra che nasce dall’esigenza di comunicare le emozioni delle arti visive.

La mostra, ideata e curata da Edelweiss Molina, docente presso l’Accademia di Belle Arti di Roma (responsabile nel 2007 dell’evento “Artenergendo” in collaborazione con l’ENEA svoltosi presso il Complesso museale del San Michele in Roma), dopo l’esposizione romana verrà proposta in altre sedi.

Catalogo in galleria

Con il patrocinio di: Ministero Beni e Attività Culturali, Provincia di Roma-Assessorato alle Politiche Culturali, Comune di Roma-Assessorato alle Politiche Culturali e della Comunicazione, Italia Nostra.

Manfred Zylla was born in Germany in 1939, living as a child through the ravages of World War II and its aftermath.  Resident in South Africa since 1970, he became prominent as an artist highly critical of apartheid in the 1980’s with a stream of drawings, prints and paintings.  These works are widely acknowledged as critical for understanding resistance art, an important chapter in South African art history.
The era of resistance art drew to a close in 1994, when South Africa held its first democratic elections.  Zylla has, however, continued to work within a paradigm of social critique, producing works about globalisation and the social and political circumstances, forces and ills at play in South Africa and the world at large.  In this respect, he has made works about pollution, global warming and natural resources, capitalism, crime, drugs, refuges, alternative energy and transport, attitudes towards disability, and Africa as a playground for the rich.
Zylla’s paintings are dealing with issues, which affect all of us.  They tell the plight of the world, and point to Zylla’s strong concern with the destiny of humanity, the future of the planet and most importantly art as a tool for change.    

Manfred Zylla is represented by Heidi Erdmann from (ERDMANNCONTEMPORARY) in Cape Town, South Africa.
www.erdmanncontemporary.co.za

La mostra, curata da Angela Madesani, è dedicata al lavoro di tre fotografi/artisti veneziani: Pier Paolo Fassetta, Guido Sartorelli, Luigi Viola. Si tratta di una rassegna che ripercorre alcune tappe del loro lavoro: saranno infatti in mostra opere degli anni Settanta e altre più recenti.
Il loro lavoro, esposto all’interno di mostre pubbliche e private, mostra quella straordinaria, quanto rara capacità degli artisti di guardare oltre il proprio tempo per collocare il proprio pensiero nel futuro. Se i loro lavori di oltre trenta anni fa erano una sorta di premonizione di quanto sarebbe accaduto, sia da un punto di vista della poetica, che da un punto di vista della ricerca linguistica, i loro lavori attuali prestano grande attenzione all’oggi certo, ma anche alle prospettive future nel senso indicato dal tema di FOTOGRAFIA Festival Internazionale di Roma: Futurspectives. La fotografia può prevedere il futuro?

www.cameraclubny.org/anatomy_persona_moment.htm

Announcing, in conjunction with this exhibition, a CCNY Conversations Series Panel Presentation
Friday, June 4 at 7pm at the School at ICP
Presenting Allen Baird, Marina Berio, Pradeep Dalal, Omar Gámez and Michael Mazzeo in conversation about contemporary innovative photographic work. Moderated by Allen Frame. This is a free event and open to the public.

COMUNICATO

Antonella Gandini Il Silenzio dell’Invisibile
Presentazione di Silvano Agosti
Inaugurazione: mercoledì 14 aprile ore 18

Periodo: dal 14 aprile al 15 maggio 2010
Orario: 17 – 20 dal martedì al sabato

Mercoledì 14 aprile alle ore 18 si inaugura a Roma, presso il Centro Luigi Di Sarro, la mostra personale di fotografia e video  di Antonella Gandini.
Scrive Silvano Agosti: “Antonella Gandini con questo suo Silenzio dell’Invisibile sfida ogni logica e qualsiasi opprimente condizione esistenziale … aiuta a superare i confini del realismo e a entrare nel mondo irreale e magico che pulsa in ogni cosa”.

Antonella Gandini (1958) ,vive e lavora a Monzambano (Mantova).

Presentazione di Silvano Agosti  

Il silenzio dell’invisibile
Da sempre mi chiedo come si possa proporre di scoprire il meraviglioso mondo dell’invisibile, dato che nessuno, in questa nuova e malferma civiltà, ha neppure il tempo di accorgersi di ciò che è “visibile”. Antonella Gandini con questo suo Silenzio dell’Invisibile, sfida ogni logica e qualsiasi opprimente condizione esistenziale, di cui l’attuale società sembra essere fabbrica ideale: invita tutti, con grazia e prudente temerarietà, a incontrare, se non proprio l’invisibile, almeno “un modo diverso di vedere”. Così un fiore, attraverso uno sguardo vitale, diventa silenziosamente qualsiasi cosa. Ma qual è la nuova identità di un’immagine che fugge da una rappresentazione realistica e convenzionale? Con le sue opere Antonella ci dice che un’emozione non ha bisogno d’identità. Non si dà un nome o una qualifica al sentimento dell’essere e quindi l’Autrice a occhi colmi di squallide immagini televisive, automobili, orribili edilizie furtive, cartellonistiche politico pubblicitarie e soprattutto di volti pieni di disagio dei passanti, chiede ai loro sguardi di posarsi e riposarsi sulle magiche geometrie dell’ignoto visivo dei suoi quadri, proponendo un vero e proprio viaggio all’interno delle forme. Soprattutto Antonella Gandini aiuta a superare i confini del realismo e a entrare nel mondo irreale e magico che pulsa in ogni cosa. Ma perché ciò sia possibile le immagini bellissime create da questa sensibile Autrice vanno contemplate con sguardi d’amore, capaci di sciogliere ogni involucro realistico e raggiungere l’anima di ciò che ci appare di fronte. Date tempo a voi stessi di fronte a ogni immagine della Gandini e sentirete fluire in voi il tepore del mistero.

Silvano Agosti

ANGELO SAVARESE

vernissage: martedì 26 febbraio 2010 ore 18,00
dal 26 febbraio al 20 marzo

testo di Joselita Giuffrida
sponsor VAPRO s.r.l.  

L’arte nella vita di Angelo Savarese è stata da sempre una pulsione prioritaria,direi una lotta nella sua vita tra quello che gli suggeriva di fare la logica di un lavoro tranquillo e la follia d’artista che pervade tutti quelli che nascono con questo “tocco di Dio” Sì lo ripeto “tocco divino” quello degli artisti, non solo Arte pittorica, musica, teatro, fotografia, che lui ama, sono arte. L’arte in Angelo Savarese cerca di emergere sin dalla giovane età, fanciullo cominciò a dipingere ispirandosi ai grandi artisti, questo gli è servito a “farsi la mano” come a volte si dice, come un andare a “bottega”. Ci incuriosisce conoscere questo artista, cominciamo con il ricordare che Savarese è nato a Napoli e si trasferisce a Roma in fasce, ma sembra avere ereditato dalla sua città natale il profumo di tutto quello che la rende una città tra le più conosciute al mondo. Magiche ragioni rendono unica Napoli, sembra a volte che sia il suo folclore che la imprime nell’anima, ma è la carica di arte che esiste “involontaria” in questa città che la fa unica, l’arte in questa città si trova ovunque: l’accento, i colori, la magnifica arte teatrale che ci ha dato tra i più grandi il celebre EDUARDO, si solo Eduardo … tutti conoscono quello che, con la sua carica umana fusa all’esperienza di nobile artista teatrale, è stato il più grande interprete Pirandelliano. Perché mi distanzio dalla Roma di Savarese? La Roma in cui ha vissuto? Perché solo la genetica del nostro passato ci proietterà nel nostro futuro. La storia, anche la nostra storia, può essere continuata, migliorata, cambiata, ma bisogna conoscere l’imprinting. La Caput Mundi, da noi tutti amata dove l’arte è a ogni angolo ha certo infuso in Angelo Savarese quello che sta maturando nella sua arte, ma non dimentichiamo che la vita lo aveva forzato a scelte di studio differenti, ma lui ha il suo imprinting! Sì il suo imprinting lo porta a lottare, trasformare quello che, se fosse stato un vinto, non avrebbe neanche pensato di fare! Cosa fa Savarese? Mette a frutto tutte le sue emozioni , tutto ciò che incontra nel suo lavoro, perché la sua anima d’artista non può fare diversamente. La sua esperienza di lavoro in Africa modifica la sua espressione artistica. Si libera dagli schemi geometrici, l’Africa con i suoi suoni, i suoi silenzi, i suoi bisogni, la sua dignità, maturano l’uomo Savarese, ma anche l’artista. Maturando nelle sue opere si scorge uno sguardo surrealista: “un occhio che ci guarda” che ti guarda: impaurito, inorridito, “ti guarda…” La sua pittura matura ancora e come volendo esprimere tutto il suo sentimento scrive sulle tele frasi di Pedro Salinas, scrittore spagnolo caro al suo cuore… una lunga storia racconta il bisogno di scrivere sulla propria opera … una storia antica e moderna, viene da dentro in ogni caso, sempre. Savarese sta camminando, cercando dove la sua maturazione lo porterà… lo scoprirà da solo e quando lo scoprirà… vorrà scoprire ancora, continuare il suo viaggio dell’anima. Penso esploderà in un’espressione per colori e musica, pensieri e profumi … tutto sarà sulle sue tele dove la “non figurazione” sarà la sua maturità artistica, il volo della sua arte sarà al di sopra di genere, tipi e movimenti artistici! Il movimento deve essere solo quello che sentono dentro tutti quelli che vedono le sue opere e sente lui prima di loro.

Joselita Giuffrida

The Centro Luigi Di Sarro in Cape Town 
Italian Ambassador Elio Menzione to open artist Erik Chevalier exhibition in Cape Town  on the 3rd of february 2010

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"La Gazzetta del Sud Africa"

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Ambassador Introduction:

Erik Chevalier is an Italian artist with a strong international vocation and projection.  Born in Rome, from a French father and a Danish mother, he has lived in Canada, Denmark and Ghana, and has studied Ethnography at Aarhus in Denmark and Photography and Visual Communication at the European Institute of Design in Rome.  After a nomadic life, he has settled down and presently lives on the beautiful Island of Sardinia.
With such a background, it is not surprising that Erik Chevalier has chosen, for this exhibition of beautiful and intriguing photographs, the leading thread of a travel through different European countries, an itinerary which materializes in a hypothetical family album, made up by re-elaborating new and old photographs with various techniques.  The final result is moving and sometimes ironic allusion to human condition and to the nomadic spirit which has deep roots in this artist’s personal experiences and view of life and which characterizes our time, a time of massive migrations, of constant and often dramatic uprooting, of exiles, of displacement of individuals, families and larger social groups.
I would like to thank Heidi Erdmann’s Photographers Gallery of South Africa for hosting this beautiful exhibition, which provides a valuable contribution to the thriving cultural life of Cape Town, a city in which I will have the privilege to spend the next weeks. My thanks also go to the Centro Luigi Di Sarro, which has promoted this South African adventure of an exhibition that started its life at Fotografia – Festival Internazionale di Roma of 2009;  and to all of you, for attending this opening and for accompanying us in this travel, evocated by these highly suggestive and intriguing photographs.

Opening by Alessandra Atti Di Sarro

Buonasera. thank you very much for coming.

I'm very happy to be here, because this is a project that I strongly wanted. I and my husband, Claudio, have been in South Africa many times, starting more than ten years ago. We learnt to love this country and his people. That's why I tryed to do something to give back. Than when I met Heidi Erdmann, the idea of starting a swop project to promote south african art in Italy and italian art in South Africa was - how can I say? - the best way to say thank you for the emotions and the warmfull hospitality that you and your country gaved us. And I must thank the italian consul in cape town Emanuela Curnis, for helping and encouraging Heidi and me to go on in this adventure.

I and my family work in Rome to promote and document the contemporary art reserch with a no-profit cultural association witch is in name of Luigi Di Sarro, my uncle, physician and artist, who tragically died at 37 years old, 30 years ago, in a period of political turmoil. He works a lot, between science and art, and left us a lot of works. So we decided to follow his passion and transform his medical studio in a place where other artists can find a space to show and discuss. Step by step, we followed his traces, and... this is another trip, witch I hope could be a long and emotional way for all.

so today I'm really very proud to introduce you Erik Chevalier. 

Opening by Erik Chevalier

I've always been fascinated by family albums in general, for what they say but especially for what they don't say. these pictures were taken in the countries that are important to my personal history but the triks they contain, the missing parts are about what they, as all family albums, don't say.
My personal family, as far as I'm concerned, starts in the spring of 1915 when my two grandfathers fougth the same battle on opposite fronts. It's considered one of the lowest points of history, the first time poison gas was used. it was fierce, cruel and immoral.
but the next generation set up family together and started another album....
I'de like to thank all the people who were involved for made this possible and expecially the italy's ambassador in south africa Elio Menzione for being here and for opening the show.

Luigi Di Sarro: Fotomontaggi 1974-75
Inaugurazione: sabato 3 ottobre – Quinta Giornata del Contemporaneo
Dal 3 al 24 ottobre 2009
Catalogo: Edizioni Peccolo, Livorno

Dopo la retrospettiva livornese, il Centro di documentazione della ricerca artistica contemporanea Luigi Di Sarro  e l’Archivio Luigi Di Sarro presentano, per la prima volta a Roma, una serie dei "Fotomontaggi" realizzati da Di Sarro tra il 1974-75.
Accompagna la mostra un catalogo delle Edizioni Peccolo, Livorno, edito in 4 lingue, con uno scritto di Flaminio Gualdoni.

Luigi Di Sarro medico e artista, docente nelle Accademie di Belle Arti di Macerata e Roma, scompare nel 1979 a meno di 40 anni ma, malgrado la brevità dell'arco dei lavori, la sua opera ha una profondità e una intensità stupefacente.
Sempre aperto ad ogni possibile sperimentazione, ad utilizzare inusuali accostamenti tecnici nella inarrestabile ricerca della sua personale impronta.
La pittura, la scultura come pure il disegno, la fotografia o la calcografia sono i campi e le tecniche artistiche in cui ha voluto cimentarsi e sperimentare.
Questa sua febbrile attività lo colloca oggi tra i protagonisti di quella giovane generazione artistica romana che, a cavallo degli anni '70, stava aprendo nuove ipotesi di concettualità attraverso l'utilizzo dei differenti  media.

Autore: Erik Chevalier

Titolo: “Viaggio & Viaggi”
 
Curatore: Claudio Cortellessa

Periodo: dal 4 al 26 giugno 2009

Inaugurazione: giovedì 4 giugno 2009 ore 18

Luogo:
Centro Luigi Di Sarro
Via Paolo Emilio 28
00192 Roma
Tel. 06 3243513
www.centroluigidisarro.it
info@centroluigidisarro.it

Nell’ambito di FotoGrafia-Festival Internazionale di Roma 2009 – VIII edizione, il Centro Luigi Di Sarro presenta la mostra di Erik Chevalier “Viaggio & Viaggi” a cura di Claudio Cortellessa.

Erik Chevalier è nato a Roma nel 1957. Dopo aver vissuto in Canada, in Danimarca e in Ghana compie i suoi studi di Etnografia all’Università di Aarhus in Denmark e di Fotografia e comunicazione visiva all’Istituto Europeo di Design di Roma), dal 1992 vive e lavora a Cagliari.
La sua ricerca fotografica densa di suggestioni scandaglia, non senza ironia, i sogni e le ansie dell'animo umano.
Scrive Claudio Cortellessa: “ …. viaggio geografico, sull’asfalto, nel cielo, rotaie d’acciaio, mari e maree, ma sempre un percorso del nostro sentire, della nostra memoria nel tempo e nello spazio che Erik Chevalier ritrova e ripercorre con l’affetto dei ricordi, vividi e sbiaditi, aggiungendo quel che nella vita ha incontrato …”.
La mostra si compone di una installazione di 12 foto a colori su plexiglas e di una serie di dittici tratte da un immaginario album di famiglia, realizzate tra il 1970 e il 2009.

Titolo: Notturno
Anno: 2007
Tecnica: acrilico, olio e collage su tela
Dimensioni: 130x150 cm

PAOLO BINI

a cura di Massimo Bignardi

ROMA, CENTRO LUIGI DI SARRO

26 marzo - 24 aprile 2009  

COMUNICATO STAMPA

Giovedì 26 marzo alle ore 18,00  sarà inaugurata presso il Centro Luigi Di Sarro la mostra personale di Paolo Bini curata da Massimo Bignardi: in esposizione poco più di venti dipinti realizzati dal giovane artista campano in questo ultimo anno e, in parte, presentati nella personale allestita a Palazzo di San Galgano a Siena, nell’ambito della rassegna d’arte contemporanea promossa dalla facoltà di Lettere e Filosofia.
Questa mostra è l’occasione per fare il punto sull’ultimo anno di lavoro e di ricerca, cioè di messa a punto di un linguaggio pittorico che fonda sulla trasparenza, sulla dissolvenza definitiva dell’immagine, in virtù di un ritrovato interesse per la luce, intesa quale compagna di un intimo tempo di attesa..
“Il passaggio – scrive Bignardi nel testo di presentazione al catalogo pubblicato per l’occasione – non è stato facile, anzi lento, a volte sofferto, per il timore che si stavano definitivamente slacciando i fili di un legame con il valore della raffigurazione. Paolo Bini […] ha lavorato ininterrottamente in quest’ultimo anno spingendo la sua pittura a staccarsi da composizioni che trattenevano frammenti di immagini e di oggetti articolati in spazi a mo’ di scatole sceniche, per rivolgersi ad un dettato nel quale, se pur con brevi inflessioni di matrice gestuale, predomina l’emotiva essenzialità del colore. Va precisato che le prime, realizzate intorno al 2005 ed ancora sottoposte al ‘vincolo’ della figura, anche se avanzata quale impronta della sagoma o, se si vuole, dell’oggetto racchiuso nel suo contorno di forma, segnalavano una struttura lineare che impaginava, in brani sostanzialmente astratti, una sorta di diario intimo. Era, in fondo, un registro cifrato da un amorfo espressionismo che, solo per la traduzione mentale, ricordava la pittura intellettuale di Robert Motherwell, certamente non letto direttamente ma traslato dai cataloghi, come da alcune tardive declinazioni vive nella pittura italiana degli anni Novanta. Insomma Bini ha tentato, poco più di quattro anni fa, di dare un senso alla visione della realtà attraverso la memoria, impaginando i suoi segni-sagome in quelle ‘stanze’ che lui ama definire ‘memoria esterna’.  In fondo, il suo interesse era rivolto alla resa di oggetti svuotati del ‘corpo’”
Oggi, prosegue Bignardi, la pittura di Paolo manifesta  “un’inquietudine, propria di un’aurora, aurora – v’è l’obbligo di una tempestiva precisazione – che non è affrancamento ad un’immagine di uno stato d’animo nel quale l’artista riversa gli impasti di umori esistenziali, tanto meno metafora di un’epifania di luce percepita, bensì variante emotiva incuneata, cedendo alla metafora, tra la notte e il giorno, in pratica tra luci di realtà fra loro diverse implicando, quasi sempre, la memoria e la visione”.

Paolo Bini  nasce a Battipaglia (SA) nel 1984. Nel 2007 si diploma all’Accademia di Belle Arti di Napoli in Scenografia. Divide la sua attività artistica tra la pittura e la progettazione scenografica e, in questo ambito, sono numerose le sue esperienze: nel 2007 è assistente dello scenografo Gerardo Viggiano al Cinespettacolo della Grancia in Brindisi di Montagna (PZ). Del 2004 è la sua prima personale presso lo Spazio Marini di Battipaglia (SA). Tra le recenti esposizioni si segnala la personale promossa dal FAI di Salerno del 2006, mentre nel 2007 è selezionato per la mostra itinerante “Talenti emergenti” nell’ambito del MUSAE-Museo Urbano Sperimentale Arte Emergente, nelle città di Visciano, Jesolo e Cagliari; sempre dello stesso anno è la presenza alla rassegna “Echi temporanei”, tenutasi al Fondo Regionale d’Arte Contemporanea di Baronissi. Nel 2008 prende parte a“Espressiva from expressionism”, galleria PositanoNewArt contemporary; nello stesso anno tiene due personali, la prima al Palazzo di San Galgano, promossa dalla facoltà di Lettere e Filosofia dell’Università di Siena e, successivamente, “Risonanze dell’immaginario” presso il Teatro Moderno di Grosseto. Di recente è stato invitato alla mostra “Persistenze sul confine dell’immagine. Ripensando ad Andrea Pazienza”, organizzata dal Museo Civico di San Severo (FG).

Nell’occasione sarà presentata la prima monografia dell’artista curata da Massimo Bignardi
Ufficio stampa & Comunicazione: Fiorina Zara e Centro Luigi Di Sarro

Centro Documentazione Ricerca Artistica Contemporanea Luigi Di Sarro, Via Paolo Emilio 28, Roma