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News and meetings of Centro Luigi Di Sarro  




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Con L’età del ferro. Ritrovamenti, Nicola Elia propone la naturale e più recente evoluzione della sua complessa ed articolata ricerca artistica, ancora una volta caratterizzata dalla presenza determinante del progetto, da intendersi quale necessità personale e genetica, non fosse altro che per quel suo lungo e costante operare nell’ambito dell’architettura, ovvero in quel regno dell’ombra, tanto caro ad Arturo Martini.
Facendo sì che le superfici ferrose, sulle quali il tempo ha lasciato un susseguirsi di tracce e di variazioni strutturali e cromatiche, dialoghino con presenze altre, diversamente materiche e fino a quel momento nascoste, provenienti anch’esse da un passato che si riattualizza, sollecitando riflessioni, scoperte e riscoperte di legami e significati.
Ed è proprio su questo sottile e persistente dialogo che l’artista leccese costruisce, tra equilibri e tensioni, queste nuove pitto/sculture o sculto/pitture che, per certi versi e grazie ad espliciti riferimenti formali e cromatici, rimandano –a detta del curatore- alla percezione di rarefatte ed allusive atmosfere morandiane.



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The exhibition Declination of Community. Part III represents the third episode of a series conceived and curated by Emanuele Rinaldo Meschini and started in April 2014 at the space ZK / U of Berlin. The aim of the exhibition is to analizare the different ways in which artists interface with the community and the menings of relationship. From documentary to workshop, from animation to the intervention itself. Over the last twenty years the practice so called Community Based has become one of the most expressive languages ​​of the artists redefining the old concept of public art such as street furniture to arrive at a conception of participatory and non-authorial action. The practice Community Based hides, however, as normal as it is, the trap of a new istitutionalism.
The exhibition therefore arises as an opportunity for multidisciplinary analysis of this new operation, committed and problems that rappressenta the best social change itself.

In collaboration with:
British School at Rome, Forum Austriaco di Cultura, ZK/U Zentrum für Kunst und Urbanistik - Berlin



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The exhibition is part of PHOTOGRAPHY International Festival of Rome 2014. The
exhibition aims to present a selection of recent shots by Karmen Corak and Fabio Gasparri. The theme of the photos is the portrait.
Karmen Corak is the more conceptual of the two. She offers several images of women, people known and chosen by the author, in which she portrays their hands and navel. She wants to reveal the intimate and reciprocal game that involves the photographer and the subject, the person's own body in the creation of the pose and the different nature of the anatomical parts. In the Far East culture which is nourishing her poetic, the navel is considered the center of the life force, into which emotions and energy converge.
Fabio Gasparri has been always interested in the poetic value vision. The eye of the photographer, in these images, seems to pursue - and to reach - the solitary female figures who have always lived the metropolitan places of his photographs. The shots are taken in the metamorphosis that follows the awakening. But the subjects still retain the rhythm and energy of the world from which they come. Rooms are both a welcome break and a shelter, but they are also the locations of an intimate and secret tale.
In the deceptively easy task of representing the human body, the portraits in the exhibition testify to the artist's identification with the subject represented. The portrait is a means of communication with the world: a bridge between private and public reality.
Offered in different ways, repeated, chopped, the human body loses the peculiar characteristic of representation of himself. The body moves away from realism and from every sexual reference, to become a theme, an investigative tool, a language. (Luisa De Marinis)



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Articolo Gazzetta del Sudafrica


NOT a LINE (a shadow line)
A project by Paolo Baraldi selected for the Artistic Residency in Cape Town, South Africa, September 1- October 15 2014

The second edition of the Italo-South African artist’s residency exchange programme, facilitated by the Centro Luigi Di Sarro, Rome Italy and SMAC Art Gallery is marked by the arrival of Italian artist Paolo Baraldi in Cape Town. This follows on Paolo Bini’s visit to Cape Town from September to October2013 and South African artist Jake Aikman’s visit to Rome from May to June 2014. PAOLO BARALDI will be living and working on a specific project in Cape Town for a period of 30 days, after which , he will present a solo exhibition at SMAC Art Gallery in Cape Town. The project "Not A Line (a shadow line)" is an urban art intervention, focused on and projected onto the grid map of the new MY CITY bus route in Cape Town which has revolutionized public mobility in Cape Town. The title “Not a Line”, in its literal sense is relevant as the map or network of bus routes is far from linear. Baraldi also sees the movement of people as a form of human exchange. My City buses concurrently run through the well-known tourist spots, and the various suburbs of the city. Each bus stop will represents a new discovery and encounter for the artist with places, people, situations and images which he aims to reproduce in shadow form, creating a body of work which is both a social survey and study in urban ethnography.

Paolo Baraldi describes the project in Cape Town as follows:
"Drawing, photography and engraving, are steps in a process of memorization: the faces, the lives, the lights and shadows of people who might meet in my experience will be stored and played back in memory.
This project fits into the body of work which I have been developing around public spaces over the last few years, in Bilbao (Spain), Tampere (Finland), Rome and Bergamo (Italy). Recurring themes and devices in my work are issues surrounding equality, as well as highlighting the acquiescence and complicity of the individual to change appearance within the public context, reflecting a specific visual and cultural aspect, which is provoked and encouraged through artistic intervention. The extent and nature of these interventions relaxed or intensified, depending on the context."

The timing of the project coincides with various initiatives surrounding the City of Cape Town as World Design Capital for 2014, and the conceptual basis of the project aligns itself with this theme: artistic intervention and urban intervention are interrelated and connected as tools in contemporary new social planning.
In recent years, there has been increased criticism and concern about commercial art practices and the art market which stifles creativity and authenticity in artistic production and there is a move back towards a vision of art which is more closely linked to the creative act, where the artist is an interlocutor, engaging with its audience, operating from within an open/public space.
Building on this concept, Paolo Baraldi also intends to directly engage and involve himself with "The Maboneng Township Arts Experience", a public art initiative currently among the most interesting and vibrant in South Africa, which has led to the creation of permanent “galleries” within the township of Langa (Langa TAG's) created by Langa residents within their own homes, personally displaying and promoting artin their homes, thereby opening their doors and using art as a vehicle to engage and communicate with the outside world.
Paolo Baraldi will also have a live workshop with the photography and graphics students from the "Ruth Prowse School of Art" based in Woodstock working with them at the near My City bus stop.

The Art Residency Project in South Africa is supported by the Consulate of Italy in Cape Town and the South African Embassy in Italy.



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5 – 20 giugno 2014


Aikman’s paintings remind us that we are living and working in the conditions of the ‘post natural’ or the end of nature– notions that are rapidly becoming a stark reality. Painting and its tropes have been said to belong to a previous conception of the world, as much as nature does. Thus, the ‘natural’ is nothing more than a ghostly presence in Aikman’s paintings. The veiling he deploys, gives an eerie sensation of the image (Nature) withdrawing, along with the sets of codes that were once embedded in our culture to assure us that our assumptions about the natural cycles of life and the existence of God were real and true. The irony is that this is conveyed by the tradition of easel painting, in a culture where nature has been reified and we are saturated with either glossy photographic images of ‘nature’ as something healthy and whole (and ultimately artificial) or sensationally cataclysmic images (documentaries) of our destructive exploitation of the ecological balance of the earth. Cunningly, painting is deployed to point to the gap between these two, contradictory sets of representation, leaving an uncanny sense of suspended meaning behind or in the veils of paint.
The original turn to the sea as a subject matter for artists and writers was that it remained an untamed territory, a last bit of wilderness on which to project and imagine and record our wild longings. Aikman’s work paints the sea (or water free in Nature, n.d.r.) as a failed utopia, a raided wilderness, a plundered subconscious. In its place we have the cold reminder that our modern, urban utopias have failed us too – that perhaps our human striving toward getting to paradise, to wanting paradise, to reshaping it with each epoch, no matter what the cost, is a failure of human imagination at its utmost and becomes a frantic devouring in the ultimately pointless pursuit of happiness that has been so effectively manipulated in a capitalist economy.
Aikman takes the project of the Romantic artists and reshapes it within the coordinates of contemporary experience. Today, those images that conveyed the Sublime then, would be considered to be sugary, kitsch and unreal now. Aikman’s paintings from 2013 speak of the Sublime, but like the curious withdrawal of Nature that we encounter in this work, the Sublime too, seems reluctant to reveal itself, instead lurking in the veils and mists, the deep waters and deafening silences found herein. We are asked to acknowledge that Truth or any notion of the Absolute is fugitive and that the Sublime only exists in the eye of the beholder, in the mind and in the conventions of art. These things are neither solidly embedded in something ‘out there’ nor in Nature, but are rather the perpetually shifting horizons of our death drive, of the anxious pursuit of an endlessly deferred Nirvana. Nature, with a small ‘n’ rather than the subject Nature, is vastly indifferent, brute and busily going its own way.  Julia Teale – extract from “At the quiet limit”, 2013


In a time of rediscovery of classicism by young artists who return to investigate the image of reality through the reproduction of what surrounds them , the modernity of Aikman's reflection on painting is not only the idea of ​​a Nature indifferent and selfsufficient - almost calling back the vision of the philosophy par excellence of romantic poetry, Leopardi's poem "La Ginestra" - but in the meticulous research on technique of the color and the brush stroke - the use of oil painting is a further confirmation - demostrating in this how elusive the picture of reality can be when we try to capture it in order to survive.

The water of the sea, or rather that of the lake - in relation to the residency held in Trevignano, on the shores of Bracciano Lake, near Rome, during which a series of works in the exhibition were made - the depth of the Aikman's research always gives us the same question : can the artistic image  fully grasp the meaning of reality? how much of this is 'real' and what is the projection of our expectations or fears




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Questioni di spazio
Marina Mentoni e Alessandra Porfidia
a cura di Paola Ballesi
inaugurazione: giovedì 8 maggio 2014 ore 18
8 - 30 maggio 2014 (dal martedì al sabato ore 16-19)


 Questioni di spazio è il legante concettuale sotteso alle ricerche delle due artiste che presenteranno, dall’8 al 30 maggio al Centro di documentaziome della ricerca artistica contemporanea Luigi Di Sarro, i loro lavori più recenti.
Marina Mentoni, nel campo della pittura, e Alessandra Porfidia, in quello della scultura, declinano infatti lo spazio dal punto di vista privilegiato delle arti visive nella comune consapevolezza che si tratta di una questione “originaria” della nostra esperienza del mondo.
Opere dunque che con diverse modalità espressive e poetiche offrono paesaggi dell’anima e ambientazioni di mondo frutto di un operare conciliante natura e cultura, capace di  riannodare verso più vaste aperture il senso dell’esistere e dell’abitare poeticamente la terra.
Ed è questa la “bellezza” segretamente custodita nelle Campiture/Cartografie di Marina Mentoni e nei Territori/Ambienti di Alessandra Porfidia, condensato di lavori complessi ma misurati e impeccabili che raccolgono esperienze trentennali di insegnamento e di scrupolosa ricerca rispettivamente presso le Accademie di Macerata e di Firenze.
Opere che vengono incontro allo spettatore con naturale semplicità per una degustazione estetica profonda, immersiva, il più possibile interattiva, senza filtri o mediazioni affinché rinasca la passione del sentire visionario che apre nuovi spazi ed orizzonti al nostro essere al mondo.

Marina Mentoni (Treia 1978) vive e lavora a Macerata. Ha studiato, tra gli altri, con Magdalo Mussio e si è diplomata in Pittura presso l'Accademia di Belle Arti di Macerata nel 1981, dove dall’a.a. 1989/90 è titolare del corso di Tecniche Pittoriche. Ha tenuto le sue prime mostre personali nella Galleria del Falconiere di Ancona (1984, 1989), al Centro Mascarella di Bologna (1985, 1987, 1990) e presso l'Unione Culturale Franco Antonicelli di Torino (1990). Ha esposto inoltre in gallerie e istituzioni pubbliche italiane, tra cui: Per mari e monti arte contemporanea (Macerata 1991, Chiesanuova di Treia 1995 e 1998, Civitanova Marche 2007 e 2009), Galleria Disegno di Mantova (1999, 2004), Palazzo Ducale di Camerino (1992), Basilica Palladiana di Vicenza (1993), Palazzo Lucarini di Trevi (1996, 1999), Ex Convento di S. Maria di Gonzaga (1998), Studio Mascarella e Palazzo dei Notai di Bologna (2000), Chiostro del Bramante di Roma (2000), Pinacoteca Comunale (2004), Fuorizona artecontemporanea (2006), Palazzo Buonaccorsi (2010) di Macerata, Forte Malatesta di Ascoli Piceno (2010), Mole Vanvitelliana di Ancona (2011), Villa Colloredo Mels di Recanati (2012), Spazio Lavì! di Sarnano (2013), e all'estero nella Werkstatt della Galerie EIGEN + ART di Lipsia (1991), a Berlino presso la Galerie caoc (1991, 1992, 1994) e al Kunstamt Kreuzberg/Bethanien (1997); alla Maclaurin Art Gallery di Ayr GB (1993); nella Galerie Schenker di Lucerna (1999); nella Galerie Ursula Huber di Olten CH(2003) e di Basilea (2008, 2009, 2010). Le sue opere sono state esposte in diverse edizioni dell'Arte Fiera di Bologna (Studio Mascarella, Per mari e monti), alla Kunst Zürich (Galerie Ursula Huber) e sono presenti in collezioni pubbliche e private. Tra i premi e riconoscimenti: 1991, Werkstipendium Stadt Leipzig, Galerie EIGEN + ART (Werkstatt), Leipzig, 1.08.1991 – 30.08.1991. 2008, DONNA E ARTE, Consiglio delle donne aperto, Sala Consiliare, Comune di Macerata, 8 marzo 2008. 2010, opera premiata, INOPERA 2010. SULLE ORME DI P. MATTEO RICCI, Palazzo Buonaccorsi, Macerata. Hanno scritto di lei D. Auregli, G. Balbis, P. Ballesi, B. Cantarini, L. Cataldo, C. Cerritelli, V. Coen, R. Cresti, L. Del Gobbo, S. Evangelisti, L. Gelmini, A. Ginesi, W. Guadagnini, T. Macrì, F. Orsolini, C. Petrelli, E. Pozzetti, S. Ricciardiello, R. Sauer, J. Schneider, M. Schüpfer, R. Siena, V. Tassinari, G. Teobaldelli, D. Trento, M. Wösthoff, M. Zanelli.

 Alessandra Porfidia (Roma 1962) espone dagli anni ‘80. Artista, docente di Scultura, Coordinatore Erasmus e delle Relazioni internazionali dell'Accademia di Belle Arti di Firenze, ha insegnato a Brera, Milano, Sassari, Macerata. A Roma, dove risiede e lavora, ha insegnato presso la RUFA. Dal 1989 è membro del Centro Internazionale di Scultura ISC (U.S.A), e da dieci anni dell'organizzazione tedesca Sculpture-Network, due tra le più importanti organizzazioni internazionali nel campo della scultura. Nel 1998 è stata invitata dal Comune di Roma ad esporre negli spazi del Foro Boario. Nel 1999 ha tenuto la prima personale negli Stati Uniti, presso il Museo "Ann Norton Sculpture Gardens" di Palm Beach. Ha esposto inoltre in Egitto alla XI Biennale del Cairo, (2008), in Giappone, dove ha vinto il "Suntory Prize" alla Triennale di Osaka 1998 (la scultura vincitrice realizzata in acciaio è stata acquisita dalla Prefettura di Osaka per il Museo di Arte contemporanea), in Francia ha esposto nella mostra "Sculture sous le soleil d'Antibes" (2000), a Montauban (2001 e 2004), a Parigi (2012/13). In Italia ha vinto numerosi premi pubblici, e sue opere sono state acquistate dal MACRO-Museo di Arte Contemporanea di Roma, a seguito della partecipazione alla XII Quadriennale d'Arte italiana del 1997. Nel 1995 ha ottenuto il "Premio per la Scultura Fiumara-ARGAM", nel 2000 il Premio Internazionale "Arte Metro Roma", per cui ha realizzato un mosaico permanente in una stazione della metropolitana di Roma. Ha inoltre realizzato opere in spazi pubblici: Palazzo di Giustizia di Asti e di Frosinone, Motorizzazione civile di Roma e Casa Circondariale di Viterbo. Nel 2011 ha presentato il suo lavoro al X° Forum Internazionale di scultura presso il Guggenheim di Bilbao. Recentemente ha esposto a Tel Aviv, a Roma e a Firenze a Palazzo Medici Riccardi nella mostra INSide-End in Nation. Sue opere sono esposte a Roma presso la Galleria Edieuropa e lo Studio S Arte Contemporanea e sono altresì presenti in collezioni pubbliche e private come l’opera “Forma lirica” collocata presso la Facoltà di Lettere e Filosofia dell’Università Roma tre, nella collezione della Tyssen Krupp a Terni e nel Giardino di Irene Brin a Sasso di Bordighera. Hanno scritto di lei critici illustri tra cui Lorenza Trucchi.



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Maria Rita De Giorgio “Imperfect Machines”
By Marcella Cossu and Roberto Gramiccia

Vernissage: Friday, April 4th 2014 at 18.00
Duration until April 30th (from Tuesday to Saturday, from 16,00 to 19.00 )

… "Humanize" the machines rather than letting "mechanize" up to degrade ourselves into rings of an assembly line. … (Maria Rita De Giorgio)

“Centro di Documentazione della Ricerca Artistica Contemporanea Luigi Di Sarro” presents from 4th to 30th April 2014, the exhibition “Imperfect Machines”, Maria Rita De Giorgio’s personal artistic wooden works, installations and oil paintings, accompanied by texts
Foemina Mechanica - Marcella Cossu:
 “…There is, today as yesterday, a tribute and a link between the world of the Historical Avant-garde, Dadaism, Constructivism, mental and cultural heritage, which leads the artist to play in this kind of boxes-strobe compositions, a 3D mechanical interior, much more structured than in the past, however, where the exuberance of a time becomes attenuated reflection, sometimes veiled melancholy. The vivid polychromy of Africa, with ocher and deep brown, the cobalt blue and gold of the sun, here is the memory of yesteryear, taking over in his stead situations almost always monochrome, with presence, too, of blacks and whites, non-colors in nature, points of arrival or departure, however, and always related to prolusions source conceptual rather than translation of uncontrollable magic suggestions from environment. Life goes on and the artistic experience progresses in parallel, what you will "lose" in youthful ardor and intensity, it is earned, with interest, in this case, in depth and rigor of research: pulse becomes method. ... "
and Elogio dell’imperfezione - Roberto Gramiccia:
The Maria Rita De Giorgio’s imperfect machines do not work but are nice to see. Already this is a great quality. Today a certain type of function is all about, and beauty is nothing. The man and the woman have become "officials" of the technology and the market in a world ana-aesthetic (and also anesthetized)… Maria Rita in its own way responds with its buildings ... Responds claiming the primacy of the mind, without sacrificing the accuracy of its joints, the relentless precision of its mechanical matches... “

Maria Rita De Giorgio was born in Rome, where she attended the Academy of Fine Arts - Course of Scenography. In later years, she devoted herself to her art and, at the same time, teach artistic matters in the public school. From 1982 to 1984 he moved to Verona, where she is in charge of the course of Scenography and History of Theatre at the Academy of Fine Arts "Cignaroli". In the nineties, acquires the techniques of restoration of ancient painting. From 2000 to 2009, she moved to Tripoli in Libya where she teaches at the French School. Currently, she devoted herself exclusively to the production of conceptual paintings and sculptures.



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Anna Maria Angelucci, Barbara Pellegrini, Caterina Pecchioli
I lavori di tre artiste che ricercano impulsi creativi
e motivazioni estetiche nel mondo inconscio

a cura di Stefania Valente
5 - 28 marzo 2014
 inaugurazione mercoledì 5 marzo, ore 18.00)


Il progetto, concepito per lo storico centro di promozione artistica romana, propone opere site specific che traducono in forme concrete il pensiero irrazionale dell’uomo
«L'arte non riproduce ciò che è visibile, ma rende visibile ciò che non sempre lo è». (P. Klee)
Automatismi psichici - mostra-esperimento a cura di Stefania Valente -  propone lavori inediti che rappresentano in forme concrete la realtà psichica dell’uomo, offrendo il pretesto per riflettere sui diversi modi con cui gli artisti generano le loro opere sotto l’influsso - o meno - della dimensione inconscia.
Una mostra, nata da un’idea della curatrice nel 2012, realizzata in collaborazione con le artiste coinvolte - Anna Maria Angelucci, Barbara Pellegrini e Caterina Pecchioli - che rivela il procedimento con cui sono state visualizzate le immagini delle opere proposte nell’ambito del progetto.
Lavori site specific che verranno esposti, dal 5 al 28 marzo 2014, nel Centro di documentazione della ricerca artistica contemporanea Luigi Di Sarro: luogo oramai storico di promozione artistica romana che, dal 1981, offre visibilità ad artisti emergenti orientati verso libere sperimentazioni senza occuparsi di mercato (inaugurazione mercoledì 5 marzo, ore 18.00).
Più precisamente il progetto, che cita, nel titolo, il “metodo surrealista” tramite cui le immagini o i pensieri affioravano direttamente dal lato oscuro della coscienza (tuttavia prendendo le distanze dallo storico movimento fondato da Breton circa i suoi intenti), suggerisce un’analisi della genesi creativa, da quando arriva l’intuizione: momento in cui, spesso attraverso uno stimolo che agisce sui sensi, emergono immagini che poi si manifestano assumendo la forma concreta voluta dall’artista.
Anna Maria Angelucci, oscillando tra linguaggio informale e figurazione, ha concepito per il Centro Di Sarro l’installazione Zolle che affronta il tema della realizzazione umana attraverso la creatività.
Barbara Pellegrini, pittrice d’ispirazione metafisica, partecipa al progetto con il ciclo di dipinti – Sospensioni oniriche – che, prendendo spunto dal sogno, inducono a riflette sulla condizione di straniamento dell’uomo contemporaneo.
Caterina Pecchioli, orientata verso una ricerca concettuale, affronta questa sfida “irrazionale” proponendo una serie di fotografie Ca-mar, campo ricoperto d’acqua - la prima di questo genere dell’artista -chefocalizza l’attenzionesulla complessità della relazione amorosa. 
Anna Maria Angelucci (Roma, 1968) – scultrice e pittrice -  vive e lavora a Roma.
Dopo il Liceo artistico, si diploma all’Accademia di Belle Arti come scenografa. Terminati gli studi, si trasferisce per alcuni anni in Spagna, dove, oltre a dipingere, si specializza in numerose tecniche di incisione. Tornata in Italia, mentre progetta scenografie, tessuti e oggetti, prosegue una ricerca artistica che fonde o alterna un linguaggio figurativo ad esiti stilistici di tipo informale utilizzando diverse tecniche: pittura, scultura, installazione.
Nel tempo partecipa a numerose mostre collettive e personali in Italia e all'estero. Affianca all’attività artistica, quella di docente (tiene, nella capitale, corsi e workshop di pittura e scultura presso diverse istituzioni artistiche e culturali).
Mostre in Italia e all’estero: Corpi sensibili, Galleria Rilievi Contemporary, Roma, 2012; Scultori e pittori presso il Tempio di Adriano, Roma, 2004; Roma Arte Moda Galleria Ca D’oro, Roma,2004; Galleria Zeitkunst, Bamberg, Germania, 1997; Galleria della Banca Caja Canaria, Santa Cruz de Tenerife, Spagna, 1995; personale Galleria Los Lavaderos, Santa Cruz de Tenerife, Spagna, 1993; collettiva “Graphos”, Museo d’arte La Recova, Santa Cruz de Tenerife, Spagna, 1993; Sala espositiva della Toyota, Santa Cruz de Tenerife, Spagna, 1992.
Barbara Pellegrini (Roma 1980), pittrice, dopo la maturità artistica e il diploma in Pittura della Scuola delle Arti Ornamentali del Comune di Roma, intraprende la carriera artistica privilegiando una ricerca figurativa che guarda alla lezione tre-quattrocentesca italiana, e alla sua rilettura in una chiave metafisica contemporanea.
La prima mostra personale nella capitale risale al 2002. Da questa data in poi, fino al 2009, mentre continua a sperimentarsi come pittrice esibendo di volta in volta il suo lavoro nell’ambito di diversi contesti espositivi, entra in contatto con il mercato dell’arte collaborando con diverse gallerie d’arte romane.
Esposizioni a Roma: Straniero, prima personale allo Zoe Spazio Arte, 2002; collettiva presso lo spazio Antigua e la Stuarr Home Design, 2004; personale all’Albergo del Senato, 2005; Africa-Asia, personale in condivisione con l’artista tedesca Michaela Hellinger Galleria Savoca, 2008; For Africart, collettiva (Galleria Linea blu), 2009. Appunti di viaggio, Domi Art Gallery, 2011; L’urlo interiore, Interazioni art gallery, 2012.
Caterina Pecchioli (Firenze 1978), artista visiva, regista e teorica, vive tra Firenze ed Amsterdam. 
Dopo il liceo artistico a Firenze, si laurea con lode al Dams di Bologna con una tesi su Antonin Artaud con cui vince il Premio Dams nel 2005. Prosegue gli studi in Olanda, conseguendo ad Amsterdam una seconda laurea in arti visive alla Gerrit Rietveld Academie e partecipando a Rotterdam ad un progetto di ricerca al Piet Zwart Institute, master in arti visive. Lavora in modo interdisciplinare con video, fotografia, installazione e performance approfondendo aspetti sociali restituiti attraverso un’indagine sull’identità e sul territorio. Affianca alla ricerca pratica quella teorica pubblicando alcuni articoli su videoarte, performance e fotografia.
Dal 2003 i suoi lavori sono stati esposti in numerose mostre, musei e festival nazionali ed internazionali.
Mostre e screenings degli ultimi due anni: Beyondmemory, Fondazione Studio Marangoni Firenze IT, Short Sharp, Seoul Art Space Mullae, Seoul KR - L’oeil sur le rues, Parc de la Villette, Parigi FR - Violenza Invisibile, MACRO, Roma - 23rd Instant Video with Anemic Festival, Praga CZ -Relazioni Interpersonali, Tenuta dello Scompiglio, Lucca - In Between, Filmtheater 't Hoogt Utrecht NL - Altijd Bewegen!, GEMAK, L’Aia NL - FestarteVideoArtFestival, Triennale di Milano, Milano.




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Valentina Colella - Sara Spizzichino

Attese impossibili

a cura di Vittoria Biasi

La mostra  Attese impossibili delle artiste Valentina Colella e Sara Spizzichino visualizza, compone in immagini il rapporto con il mondo esterno in un momento di particolare fragilità. Le domande, le richieste sembrano raccolte dietro la linea d’attesa, come quella sul pavimento degli aeroporti, prima di effettuare un passaggio.
Sara Spizzichino si confronta con gli interrogativi, con la ricerca, con il desiderio di risposte di ogni tempo e generazione! E’ una catena generazionale che l’artista visualizza nell’installazione Love Swing: “Il corpo inesistente - dice Sara - appeso nei ganci esaspera una condizione amorosa fatta di ciò che non si compie, di tutto quello che nelle relazioni di ogni tipo - amanti, genitori/figli, fratelli - non viene detto e vissuto.” L’inseguimento dell’Absent, come scrive Didi Huberman, ha spinto l’uomo, cristiano o ebreo,  a costruire cattedrali, opere, a stringere alleanze per tracciare percorsi nel labirinto dell’esistenza. L’arte come la religione ricorda il sacrificio, dà un nome all’assenza, inchioda la virtù e il peccato.
Per Valentina Colella il tema dell’assenza si focalizza nell’esperienza della scomparsa. Tutto accade in altro luogo, in un’altra terra! Nella distanza! Nel silenzio! La rete di Facebook diviene la fonte di informazione e la fine di un’attesa. L’esperienza vissuta nell’intersezione tra la vita reale e lo spazio virtuale sono le polarità su cui l’artista ricostruisce il proprio percorso, una ricerca per esorcizzare l’evento. La scomparsa è la coscienza del non vissuto, è il manque di un mondo, di un progetto che non potrà più essere verificato!
Valentina Colella traduce l’esperienza in un linguaggio lapidario, tappe di un pensiero alla ricerca di un luogo geografico in cui posizionarsi.
Le due artiste, la loro vita relazionale con il percorso sociale di cui sono eredi, sono l’oggetto dell’indagine interiore. Il mondo reale entra nell’arte configurando elementi speculari di storie diverse in attesa non di risposte impossibili.
Valentina Colella (1984), vive e lavora a Firenze. Lavora approfondendo la quotidianità residua del reale che sopravvive al e nel digitale, creando attraverso vari media che spaziano dalla pittura, installazione, al video e alla fusione di frames da internet.
Sara Spizzichino (1980) vive e lavora a Roma. Artista interessata alle relazioni interpersonali tra individui e istituzioni, predilige diversi mezzi espressivi come l’installazione, il video e forme alternative di disegno come ad esempio il frottage.



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articolo di Edoardo Sassi
Corriere della Sera 9/1/2014


Crispolti e il Centro Di Sarro
Avvio e sviluppo di una ricerca 1982/85
a cura di Emanuele Rinaldo Meschini

con il patrocinio di
Roma Capitale-Assessorato Cultura Creatività Promozione Artistica, Università di Siena, MAON, MLAC, NODE, Prog. 80

La mostra Enrico Crispolti e il Centro Di Sarro. Avvio e sviluppo di una ricerca (1982/85), nasce dalla volontà di ripercorrere la storia del Centro di documentazione della ricerca artistica contemporanea Luigi Di Sarro, fondato nel 1981, e gli anni della direzione del critico romano cogliendo, oltretutto, l'occasione degli ottanta anni di Crispolti.
Il Centro fondato per ricordare Luigi Di Sarro, in seguito alla sua violenta morte avvenuta nel 1979, è presto diventato sinonimo di sperimentazione ed indipendenza, linee guida dello stesso Di Sarro artista, trovando in Enrico Crispolti un organizzatore e curatore attento e determinato nella sua operazione di rimappatura dell'arte contemporanea.
La mostra ripercorre, dunque, questo proficuo sodalizio attraverso le premesse del Centro, ovvero il rapporto tra Enrico Crispolti e Luigi Di Sarro, e lo sviluppo artistico lungo il periodo 1982/85 con la riproposizione delle opere presentate in quelle stagioni espositive.
Lo scopo della mostra è tutt'altro che celebrativo o nostalgico e mette in luce la vitalità di una ricerca basata sulla completa autonomia ed autogestione.
Vengono dunque ripercorsi  quegli anni di ricerca attraverso la partecipazione attiva degli artisti che  fecero parte di quella stagione.
La mostra è inoltre una ricognizione delle ricerche artistiche indipendenti della prima metà degli anni Ottanta nei quali il Centro Di Sarro e Crispolti sono stati un punto centrale ed alternativo per lo sviluppo di tematiche fondamentali, quali lo sviluppo dell'arte nel meridione, dimostrandosi un valido laboratorio per la creatività di quei giovani diventati oggi affermati artisti.

artisti in mostra
Bruno Aller, Roberto Andreatini, Atmoscena (collettivo), Toni Bellucci, Tomaso Binga, Sergio Borrini, Angelo Casciello, Gerolamo Casertano, Francesca Cataldi, Santo Ciconte, Antonella Cimatti, Marina Cirinei, Vitaldo Conte, Francesco Correggia, Rino Cosentino, Salvatore De Curtis, Chiara Diamantini, Vittorio Fava, Roberta Filippi, Francomà, Carlo Fusca, Ignazio Gadaleta, Ida Gerosa, Mario Lanzione, Pietro Livi, Luigi Magli, Enea Mancino, Franco Marrocco, Michele Mautone, Sergio Nannicola, John O’Brien, Yoshin Ogata, Gianfranco Pagnelli, Mario Parentela, Gloria Pastore, Sergio Pausig, Antonio Picardi, Lamberto Pignotti, Claudio Pizzingrilli, Franco Politano, Lydia Predominato, Giustina Prestento, Giorgio Russi, Filippo Scarpelli, Franca Sonnino, Vincenzo Trapasso, Gerardo Vangone, Luigi Viola, Loretta Viscuso, Luigi Vollaro, Horacio Zabala, Alberto Zanazzo

     catalogo in galleria



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Il Centro Di Sarro propone i lavori di Sebastiano Dammone Sessa, Niccolò De Napoli, Milton Blas Verano nella mostra ARTE EGO/Una ricerca d’identità, curata da Tonino Sicoli. La mostra, che vuole evidenziare tre percorsi all’insegna della sperimentazione, presenta opere pittoriche, installazioni e video.

Sebastiano Dammone Sessa nasce a Montreux (EE) nel 1981. Consegue il Diploma di laurea di secondo livello in Arti Visive e Discipline per lo Spettacolo con indirizzo Decorazione presso l'Accademia di Belle Arti di Catanzaro. Numerose sono le collaborazioni con il museo Marca di Catanzaro in qualità di tecnico allestitore e decoratore. Nel 2012 collabora con il Maestro Daniel Buren in occasione della mostra Intersezioni 7 presso il Parco Archeologico di Scolacium. Nel 2011 partecipa ad una residenza d'artista ad Hangzhou (Cina), per il progetto comunitario Italia/Cina, Sulle orme di Marco Polo, cento pittori italiani dipingono Hangzhou. Nel 2007 vince il Premio Nazionale delle Arti indetto dal MIUR, presso il Centro Fieristico le Ciminiere di Catania nella sezione Decorazione. E’ docente presso l’Accademia di Belle Arti di Macerata.

Niccolò De Napoli nasce a Cosenza nel 1986. Attualmente vive e opera tra Cosenza e Roma. Artista eclettico, ama esprimersi utilizzando tecniche e media non convenzionali alternando pittura, scultura, video, ready-made e fotografia. Dopo una breve parentesi negli Stati Uniti, torna in Italia, perseguendo la sua ricerca artistica ricca di concettualità e tensione sperimentale. Nel 2011 è selezionato per il padiglione Italia /Calabria alla 54^ Biennale di Venezia, dove ha presentato il video “Something in a Livingroom”. Tra le mostre: Il Respiro della Sila”, Cappella Orsini, Roma (2012); Il Divino nell’arte Contemporanea”, Museo dei Bretti e degli Enotri, Cosenza (2012); Arte Contemporanea a Palazzo Costantino Di Napoli”, Mostra itinerante per la celebrazione del 388° Festino di Santa Rosalia”, Palermo (2012); "Echi dal ghetto", Università della Calabria, Rende (2012); "Macerie", Pal. S. Agostino, Palermo (2012); "Equilibri Precari. L'arte al tempo delle crisi", Museo del Presente, Rende (2012); "Arte Emergente", Quantum Leap Gallery, Roma (2011); "Siamo altrove", Chiostro di San Domenico, Cosenza (2010); "Residui", Parco Storico del Ninfeo, Vadue di Carolei (2009); "Art in Loft", 248 McKibbin Loft Buschwick, Brooklyn-NY (2009); Tempra Accademy in the World”, Malta Art Biennale,Licata (2008); Nuove Proposte Collection”, Gall. Margutta Catania (2008).

Milton Blas Verano nasce a Buenos Aires nel 1984. All'età di sette anni si trasferisce in Italia dove, nel 2007, consegue il diploma Accademico di primo livello presso l'Accademia di Belle Arti di Catanzaro (Pittura) e, nel 2010, quello di secondo livello in Arti Visive e Discipline per lo Spettacolo. Tra le mostre recenti: "Lo Stato dell'Arte", 54° Biennale di Venezia, Venezia, Italia (2011); "Nuove Acquisizioni", MAON Museo d'Arte dell'Otto e Novecento, Cosenza, Italia (2013); "Centro/Periferia Federculture", Tempio di Adriano, Roma, Italia (2012), Palazzo Ziino, Palermo, Italia (2013); "Cultures Maison", Maison des Cultures de Saint Gilles, Bruxelles, Belgio (2012); "Open Space 1: La Dimensione Umana del Contemporaneo" Galleria Nazionale di Cosenza Palazzo Arnone, Cosenza, Italia (2012); "4th Wall Gallery", 4th Wall Gallery, Los Angeles, USA (2009); "MIUR", Accademia di Belle Arti di Napoli, Napoli, Italia (2010). "INCUBARTE, Festival Internacional de Arte, Sala la Gallera, Valencia, Spagna (2013). Vive e lavora a Londra, Regno Unito.



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In collaboration with the Centro Di Sarro in Italy, the Italian Consulate in Cape Town and SMAC Art Gallery, Italian artist Paolo Bini presents his first South African solo exhibition entitled Dinanzi all’Oceano / Brink of the Ocean.  Bini chosen by the Centro Di Sarro presents a new body of work completed during his one month residency, facilitated by the Artist Residence Project, in Cape Town. 
This exhibition will be hosted at the Provenance Auction House in Cape Town and runs concurrently with the program of the 13th Week of Italian Language in the World under the High Patronage of the President of the Italian Republic. 
Dinanzi all’Oceano / Brink of the Ocean continues Bini’s experimentation with lines and colours while incorporating the unique South African geography that permeates into the fabric of this new body of work.
An artist deeply inspired by geographical forms, colour and abstract landscapes, Bini has acknowledged that the context of this residency has had “an important impact on the directions and gesture of [his] art,” remarking that he can see a transformative difference in what he has produced during this period.
In response to his new environment, Bini searched across his own personal colour palette and points of reference. Bini believes that colour directly reflects emotion, which he dubs as “emotional chromatics,” citing the influences of Neo-Expressionism and artists such as Julian Schnabel.
The effect and significance of rendering “the line” is part of the artist’s vision as well. Affected by the unique landscapes that he absorbs, from the winelands of Stellenbosch to the rugged terrain of Cape Point, Bini has created spontaneous paintings of a fluid and transcendent nature.
The materials used are of importance to Bini. Monochromatic and fluorescent paint is applied to various surfaces ranging from canvas to long stretches of paper tape on wooden board. When the  tape is covered in acrylic, the work acquires a new dimension, highlighting a “transformation” of his materials. The artist feels free with paper as he finds the medium “poetic, soft yet textural, and able to take colour passionately,” creating abstract compositions with a vibrancy of colour and line in response to the landscape and sights he encountered in South Africa.
Born in 1984 in Battipaglia, Italy, Paolo Bini graduated from the Accademia di Belle Arti Napoli. Recent solo shows include: Kalodiki, Cerruti Arte Gallery, Genova, University of Siena, 2013 and Colour absence, in suspense, Museo of Palazzo Bianco, Genova, 2010. Recent group shows include Verticalità, Museo-CAMeC, La Spezia, 2013; 54th Venice Biennale, Pavilion Italian region of Campania, 2011 and XIV Bienal Guadalupana, Guadalupa, Messico. In 2010 he took up an artist residency at the GRAD Kultural Center of Belgrado, Serbia, curated by Componibile62 and in the same year he presented an exhibition for the XIII Italian Culture Week L’Avana, Cuba, curated by Centro Di Sarro. In 2013, Bini participated in the Artist Residence Project between Italy and South Africa PROMOTED BY Centro Di Sarro in Rome and  SMAC Art Gallery in Cape Town, under patronage of Italian Consulate in Cape town,  where he has worked for ONE months in Cape Town, South Africa, creating paintings for this exhibition Dinanzi all’Oceano / Brink of the Ocean .



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Il Centro Di Sarro, nell’ambito del Circuito di FOTOGRAFIA - Festival internazionale di Roma, presenta la mostra VACATIO. Sospensione, assenza, mancanza di norme, incertezza, insicurezza. Tutto questo evoca il termine latino vacatio, che viene declinato in modo diverso dagli artisti Pietrantonio, Emmanuel Rioufol, Yannick Vigouroux e Xavier Martel. C'è un filo conduttore che attraversa le loro opere e trae origine da questo senso di vuoto interpretato non come elemento inerte, vago, opaco, ma come presenza dinamica, come luogo in cui si anima la creatività e si nutre la libertà del linguaggio.
Pietrantonio definisce fotocollages i suoi lavori più recenti, in cui confluiscono varie pratiche di montaggio e assemblaggio, giustapposizione, attraversamenti di tecniche pittoriche, digitali e fotografiche. Si potrebbe parlare anche di fototensioni o fotomontaggi. Emmanuel Rioufol presenta fotografie dove la vacanza dello spirito espressa nella follia - o lucidità - è sensibile, palpabile.... La vacatio esistenziale nelle fotografie di Yannick Vigouroux si sforza in qualche giubilo discreto di scaturire dal quasi nulla delle "Metamorfosi"… Istanti vuoti nelle fotografie di Xavier Martel, che sostiene una vacatio permanente, e offre immagini di una realtà sottile, un spazio apparentemente vuoto riecheggiando la sua disponibilità mentale.

Pietrantonio, nato a Ischitella sul Gargano, negli anni Settanta è presente a Roma, tappa importante per le prime esperienze artistiche soprattutto nel mondo del teatro e le prime mostre. Dal 1980 vive e lavora a Parigi dove conduce una intensa attività espositiva.
Emmanuel Rioufol è nato a Puy en Velay il 6 marzo 1966. Figlio del pittore Michel Rioufol, che gli trasmette l’amore per la pittura, ha studiato cinema e tecniche di laboratorio a Venezia. Ha viaggiato in tutti i continenti realizzando cortometraggi e fIlm sperimentali ed esponendo le sue serie fotografiche.
Yannick Vigouroux, fotografo e critico d’arte,partecipa a workshops & commissariat d'exposition. Si interessa di Conservazione e valorizzazione di collezioni fotografiche.
Xavier Martel è storico dell’arte, docente e fotografo indipendente. Si interessa di fotografia giapponese.



articolo di Tonino Sicoli su Il Quotidiano


Il Centro Luigi Di Sarro ha il piacere di comunicare che

a Lamezia Terme, sabato 13 luglio 2013, all'interno del nuovo Palazzo Comunale
dove è stata definitivamente collocata,
la Presidente della Camera on. Laura Boldrini 
ha inaugurato l'opera di Luigi Di Sarro "In nome del Padre" (pittura murale, 1976).


da sn, Sindaco Gianni Speranza, Presidente Laura Boldrini, Prof.ssa Giovanna De Sensi, Prefetto Antonio Reppucci





Young South African Artists exhibit for the first time in Rome

(From left to right) Themba Khumalo, Minekulu Ngoyi, Kim Berman (co-founder of Artist Proof Studio), Nompumelo Ngoma and Nkosinathi Simelane

In honour of South African Youth Day; in commemoration of the 1976 Soweto student uprising that took place on 16 June, Themba Khumalo, Minekulu Ngoyi, Nompumelo Ngoma and Nkosinathi Simelane young artists from Artist Proof Studio in Johannesburg, will be exhibiting their artwork at the Gallery Luigi Di Sarro in Rome: Via  Paolo Emilio 28.  
The official opening is on 18 June 2013 and will be available for viewing until 22 June   Furthermore, during the evenings of 19-22 June the artists will undertake an interactive show at Isola del Cinema Festival on the Isola Tiberina under the theme “Youth, Democracy and Social Cohesion”.  They will create a piece, stimulated by interaction with viewers that will incorporate the perceptions of what this theme means to them, while observing them at work.

So come and join us in celebrating our YOUTH at the Gallery Luigi Di Sarro and Isola del Cinema!
South African Embassy Rome



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Presentazione della mostra Università la Sapienza 24 maggio 2013


under the patronage of Department
of Communication and Social Research of La Sapienza University
Frammenti di un discorso amoroso
curated by Maddalena Rinaldi

13 June | 6 July 2013

Alba Kia, Alessandra Baldoni, Alessia Demarco, Alessio Paolone, Andrea Natale,
Elena Rondini, Monticelli&Pagone, Serena Scionti, Sergio Baldassini, Yo Akao

opening: 13th of June 2013 at 6.00 pm Centro Luigi Di Sarro


The Centro Luigi Di Sarro, under the patronage of Co.Ri.S. - Department of Communication and Social Research of La Sapienza University, is pleased to present the exhibition Fragments of a Lover's Discourse, by Maddalena Rinaldi.
The exhibition was presented on the 24th of May 2013 from 3.00 pm with a round table organized in collaboration with the Chair of Semiotics of the Faculty of Science of Communication, La Sapienza University (Prof. Isabella Pezzini) in which artists, students and teachers participated. The exhibition will be inaugurated on Thursday, 13th of June 2013 at 6.00 pm at the Centro Luigi Di Sarro.
The exhibition, which is the result of a research project conducted by the curator and aims to create a dialogue through the contamination of different disciplines such as visual arts, literature, film, music and theater, will be attended by ten artists invited to read and interpret, through the peculiarities of each of their aesthetic research, the work of the French semiotician Roland Bathes.
The exhibition will thus provides a visual reading of the literary work through pictorial forms (Alba Kia, Alessia De Marco), sculptures (Alessio Paolone, Elena Rondini, Yo Akao), photographs (Alessandra Baldoni, Serena Scionti), installations (Monticelli & Pagone, Sergio Baldassini) and videos (Andrea Natale), acting as a translation between systems of different signs. The artists will present almost all new works by interpreting some of the "figures" of the work (Waiting, Catastrophe, Body, Dependency, Induction, Encounter, Languor, Alone, Remembrance ...), or the meaning which underlies the entire work.
The works on show will decline in melancholic, romantic, cynical and ironic way the unrequited lover’s inner states mentioned by Barthes, proposing in many cases, following the author’s example, citations and borrowings from the history and system of art.
The exhibition will trace the fragmented structure of the book as well as the way in which the book will encourages the visitor to get a cognitive a passionate involvement that will push him to reflect, but also to decide to act pragmatically, during the visit.
The project - born in honour of Luigi Di Sarro, the artist to whom the exhibition venue is dedicated, multifaceted and eclectic personality and pioneer of the convergence of knowledge spread in recent decades in the world - is in its first edition, but will be developed in the coming years in a cycle of exhibitions in different locations.



Frammenti di un discorso amoroso
curated by Maddalena Rinaldi
13 June | 6 July 2013
Centro Luigi Di Sarro via Paolo Emilio, 28 - 00192 Roma
Tuesday - Saturday, 4-7 pm
opening: 13th of June 2013 at 6.00 pm Centro Luigi Di Sarro - - tel +39 063243513



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GLI ARTISTI CHE GIUNSERO DAL FREDDO. Dalla Siberia allo Stanford Hotel
THE  ARTISTS WHO CAME IN FROM THE COLD. From Siberia to the Stanford Hotel
Emile Dubuisson, Allen Frame, Mauro Restiffe
curated by di Martin Kunz

opening: saturday 18 May h 6 pm
18 May – 7 June 2013  (Tuesday-Saturday, 4-7pm)


The Artists Who Came in from the Cold: From Siberia to the Stanford Hotel, brings together three photographers who over a span of 10 years photographed in different parts of Russia.  Seen together, their black and white images create an elliptical link between a village in Siberia in winter, a beach in Kaliningrad, an apartment in St. Petersburg, and a hotel room in New York. They speak of the breadth of a culture but also the ways in which outsiders to a culture thread impressions and encounters into an evocative tapestry of associations, both personal and mythic. The three photographers--French, Brazilian, and American--separately traveled to different parts of Russia and later saw each other’s work in New York. All having a strong relationship to cinema, and close relationships with each other, they accentuate the use of black and white grainy effects, mood, and atmosphere to create a cinematic tension in their documentary work.
Creating a strong connection between these three perspectives, The Artists Who Came In From the Cold combines a sense of objective documentary description with subjective, diaristic narrative, and because of the shared use of 35mm and blach and white film, the photographs cohere into a consistent view of a confounding culture. The title of the exhibition is taken from John LeCarré’s novel, The Spy Who Came In From the Cold, about a British agent in Berlin during the Cold Wat, made into a Hollywood film 1965.
Dubuisson’s Siberian work will be published as Far, the first photo book launched by ADAD Books, London, and will include a foreword by the acclaimed Rus­sian photographer Boris Mikhailov. It will be presented in July at the Photography Festival Les Ren­contres d’Arles, with a conversation between the artist and Tate Museum curator Simon Baker.

Martin Kunz was Director of the Kunstmuseum Lucerne from 1977-1989, where he curated over 150 exhibitions main­ly of contemporary artists. In 1993 he founded and directed the New York Kunsthalle where he introduced artists such as Doug Aitken, Nancy Rubins, and Dan Peterman, and presented special projects with Nancy Spero, Leon Golub, and Louise Bourgeois. From 2004-2006 he was Director of the Ascona Museum of Modern Art in Switzerland. He is editor of Charta Art Books’ Linda Salerno, which contains Salerno’s Black Mirror Series; he curated an exhibition of this work for the Camera Club of New York and the Centro Di Sarro in 2011. He is based in Lugano.
Allen Frame lives in New York where he teaches photography at the School of Visual Arts, Pratt Institute, and the Inter­national Center of Photography. He has also given photography workshops in Mexico City, Oaxaca, Mexico City, Oaxa­ca, Tijuana, Monterrey, and in Russia. His book Detour, a compilation of his photographs over a decade, was published by Kehrer Verlag Heidelberg in 2001. He is represented by Gitterman Gallery in New York where he had a solo show in 2009. His work has been included in exhibitions recently at the Baltimore Museum of Art and the Fotomuseum in Win­terthur, Switzerland. He has been the curator of numerous exhibitions, including Darrel Ellis in 1996 and In This Place at Art in General in 2004; Bearings: the Female Figure at PS122 Gallery in 2006; and Anatomy, Persona, and the Moment: 70’s Experimental Photographs of Luigi Di Sarro at the Camera Club of New York in 2010. He currently serves as the President of the Board of the Camera Club of New York. Frame is an Executive Producer of Joshua Sanchez’s feature film Four, which will be released in the U.S. this summer.
Emile Hyperion Dubuisson was born in Paris and is living in New York. Prior to his photographic studies at the Inter­national Center of Photography in 2007, he studied cinema at Universite Paris 8 in France. His work is informed by the disciplines of both fields. He has been widely exhibited in the US. Foam Magazine awarded him as one of its Talent 2010 artists. He received the Juror’s Choice award in the Center Santa Fe’s 2011 Project Competition, which honors documen­tary projects and fine art series.
Mauro Restiffe, born in 1970, lives in Sao Paulo, Brazil, where he is represented by Galeria Fortes Vilaca. He studied at the FAAP University in Sao Paulo and the International Center of Photography in New York and was a Visiting Schol­ar at New York University from 2001-2003. His solo exhibitions include “Recorrências” at Galeria Fortes Vilaça in São Paulo, Brazil; “Mirante” at PhotoEspaña09 in Madrid, Spain, “Vertigem” at Galeria Mario Sequeira in Braga, Portugal, and “In Process” at Henry Urbach Architecture Gallery in New York. He is currently featured in a solo show at the Museu de Arte Contemporânea, São Paulo. He has participated in many group shows including the BESPhoto Awards in Lisbon in 2011, the 27th Sao Paulo Biennial and the 2006 Taipei Biennial. He is the recipient of the Fellowship ApArtes from the Ministry of Culture, Brasília, The Louis Comfort Tiffany Biennial Award, NY and The Rema Hort Mann Art Grant, NY. His work is in the permanent collection of the TATE Modern, London, SFMOMA, San Francisco, CGAC, Santiago de Compostela, Thyssen Bornemisza Art Contemporary, Vienna, Museu de Arte Moderna, Sao Paulo, Inhotim Instituto de Arte Contemporânea, Minas Gerais, among others.



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Tranches de vie
curated by Paola Ballesi
19 April - 11 May 2013 (from Tuesday to Saturday 16-19)

opening:  Friday, 19 April h 18.00

The Centro Luigi Di Sarro is proud to present Tranches de vie, the first solo show in Rome by Elena Giustozzi.

Preparing a fertile short circuit between painting and photography, her pictorical works emphasize the symbolic function of image and its power. Like through a mirror reflection, sometimes deformed or sometimes selectively focused on advantageous particulars of powerful horizontal and vertical cuts which flex dramatically the point of view, sometimes destructive for decomposing the image in fragments based on an apparent order, the artist reveals the hermeneutic mechanism that the representation gradually implements, nailing down the spectator and asking his/her imagination unavoidable questions.
The wise assembly of simple and harsh framings like photo shots that gather the quotidian rhetoric puts us in front of a humanity trapped within its conventions, habits and neuroses, within its own rituals and myths, from which it is impossible to emancipate since they are created by it.
 In this manner, the artist intertwines the mute story of life that flows inexorably articulated by homologated existences within the firmness of posing, fragmented into scattered suggestions and gatherings within the memory archive.
Elena Giustozzi’s memory is a kind of pietas that leads her to rummage between the plot of time to capture tranches de vie, fragments and pieces of experiences buried in hidden angles, behind doors and curtains or mindful of Roland Barthes’ lesson, enclosed and guarded in particular, at punctum, and here it is the framing focused on a shoe, a garment rim, a cuff, a button… (Paola Ballesi)
ELENA GIUSTOZZI (1983) is born in Civitanova Marche (Macerata, Italy). Studies: she’s graduated in Decorating (2008/2009) and Painting (2011\2012) at Academy of Fine Arts of Macerata  Select Solo Exhibition: OPERE 2011-2012, Stile Original Design, Brescia 2012; OPERE 2008-2012, Galleria Comunale Vincenzo Foresi, Civitanova Marche (MC); RAMMEMORAZIONI, Spazio Mirionima, Academy of Fine Arts, Macerata; GRISAILLE, Fondazione Culturale diversoinverso, Teatro Il Vicolo, Monterubbiano (FM) 2011; Select Group Exhibition:  PREMIO COMBAT, Museo Civico G. Fattori, Livorno 2012, INTERSEZIONI, Spazio Mirionima, Academy of Fine Arts, Macerata curated by R. Cresti e A. Benemia 2012, PREMIO ARTE LAGUNA, Nappe dell’Arsenale, Venezia curated by I. Zanti 2012,  BIENNALE GIOVANI ARTISTI MARCHIGIANI, Galleria Comunale Vincenzo Foresi, Civitanova Marche (MC) curated by M. Cerolini 2011, LIBERTA’ E DESTINO, Palazzo Buonaccorsi, Macerata curated by P. Ballesi e R. Cresti 565-590, Area del Castello, Ripe (AN) 2011,  PREMIO ARTEMISIA, Mole Vanvitelliana, Ancona curated by S. Tonti, 2010.



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Segnato a colori
a cura di Tiziana Musi e Anna Romanello

Presso il Centro Documentazione Ricerca Artistica Contemporanea Luigi Di Sarro in collaborazione con l’Accademia di Belle Arti di Roma si inaugura la mostra “Segnato a colori” a cura di Tiziana Musi e Anna Romanello con i giovani artisti che frequentano il corso di Grafica d’Arte-Tecniche dell’Incisione, dell’Accademia.
Queste le parole che Christophe Comentale nel 2008 disse dopo una visita al nostro Atelier:
“…osservare un atelier di ‘libero pensiero’…
…si percepiva un’atmosfera decisamente dinamica ed esaltante, ben poco accademica.
i giovani ricercatori – si tratta infatti più di ricercatori che semplici allievi - erano impegnati a lavorare su quel processo creativo che conduce ai confini del sé …”

Quest’atmosfera la scopriamo nelle opere in mostra, incisioni, libri d’artista e installazioni, frutto di un attento lavoro sulle possibilità espressive della grafica d’arte che oggi ritrova un rinnovato interesse, sempre più rivolto a rielaborazioni sperimentali innovative. Gli allievi hanno potuto apprendere e interpretare nell’Atelier la ricerca del grande maestro S. W. Hayter, fucina di idee e di realizzazioni di grande valore.
Come scrive in catalogo Tiziana Musi:
“…I giovani artisti si presentano come ricercati, una sorta di WANTED in positivo e le foto segnaletiche indicano con ironia e sottile compiacenza l’impossibilità di sottrarsi al gioco del colore, alla fascinazione del segno, sottintendono la necessità di faticare, di sporcarsi nel senso letterario della parola le mani, gli abiti, i capelli….”

Artisti in mostra: Marianna Adel-Labib, Arianna Angelini, Francesca Biundo, Giulia Cacciuttolo, Gloria Cianchi, Sofia Cianfichi, Barbara Conte, Michael Converso, Marzia Esposito, Mariam Kurdadze, Armando Macchiarulo,
Nuria Pazos Gomez, Nihal Sener, Sara Sposito, Zhangni Xue.

Catalogo in galleria con testi di Tiziana Musi e di Luca Maria Patella edito da Gangemi Editore.



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Fotografie di Mimmo Frassineti



edited by
Giorgio Bonomi and Enrico Mascelloni

from 7 to 30 March, 2013

Opening Thursday 7 March at 18.30
Visiting hours: Tuesday-Saturday 16.00-19.00


On Thursday 7 March at Di Sarro’s Centre will be open the exhibition Dualism – Giorgio Bonomi, with works of two artists, Candida Ferrari and Liliana Malta. The juxtaposition is neither given by a common theme nor by a particular assonance of poetics but the curator thinks that it works very well to show together, even if in separate places, the works of the artists offering in such a way two one-woman exhibitions whose onlookers could appraise likeness and conflicts, affinities and discrepancies, but the harmony of “dualism” as well.

Candida Ferrari born and resident in Parma, with a long and prestigious curriculum – shows works of her last and recent years. It is most recent her anthological exhibition at the Municipal Museum of Reggio Emilia.
Her work is difficult to classify because it ranges from the round sculpture to that “built in”, from coloured paintings to the skilful use of materials, chiefly papers (from those discarded to the quality ones, from the gorgeous ones to those austere) and Plexiglas; “transparency “ is perhaps the word and the concept that sums up its artistic work. In fact her works are not only physically “transparent, considering the materials, but such a concept permits to seize the whole complexity of her work, in other words the light, the variation, the lightness, the movement and even more.
After ten years, the artist shows again in Rome with a wide range of her works.

Liliana Malta, of Calabrian origin and resident in Rome  for many years, shows her latest works but for one. New but not different from her settled poetics, at the most such latest works delineate a further stage in her coherent path inside the art territory. First of all it is to be marked the consonance established between her original and never abandoned artistic technique, the sculpture (for the most part terracotta) and paintings. The last is made up over the free space of canvas with the same features by means the plastic work is articulated in empty space; both techniques have the same tectonics, the one in the assemblage of heavy matter planes, the other one in scanning of the planes on the surface and in the zonation of colours. The classic myth, favourite theme by the artist, finds now new pictorial creations, confirming her will to synthesize the past, the present and future, of unconscious and awareness.

The exhibition is accompanied by a catalogue with a text written by Giorgio Bonomi about Liliana Malta and by Enrico Mascelloni on Candida Ferrari.



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nell’autoscattO fotografico

a cura di Giorgio Bonomi

21 febbraio – 2 marzo  2013 (dal martedì al sabato ore 16-19)
Inaugurazione: giovedì  21 febbraio, ore 17.30

Giovedì 21 febbraio, presso il Centro Di Sarro di Roma, sarà presentato il nuovo libro di Giorgio Bonomi Il corpo solitario. L’autoscatto nella fotografia contemporanea, Editore Rubbettino che in più di 400 pagine, tutte a colori, esamina oltre 700 artisti di tutto il mondo, a partire dagli anni Settanta.
Per l’occasione è stata organizzata una mostra che presenta artisti che con la fotografia hanno messo in pratica le modalità dell’autorappresentazione, spesso evidenziando una poetica di “solitudine”.
Si parte dal proprio corpo come elemento primario di sé e, soli con se stessi, si ricerca una rappresentazione che può essere “reale” o “possibile”, tragicamente data o felicemente ipotizzata.
Per “autoscatto” si intendono tutte le forme possibili con cui questo può realizzarsi: dall’autoscatto vero e proprio (con il temporizzatore, con la macchina fotografica in mano, con il flessibile, con il telecomando) alla fotografia realizzata da un assistente il cui compito è meramente esecutivo: così possiamo usare molte definizioni, per le realizzazioni ottenute con questa tecnica che è anche una poetica, come “autoritratto”, “percezione di sé”, “identità”, “allo specchio”, e molte altre, per quel concetto di “autorappresentazione” che l’artista, da sempre, ha tentato.
La pratica dell’autoscatto è enormemente diffusa in tutto il mondo, soprattutto negli ultimi anni, qui si presentano un ristretto, ma significativo gruppo di artisti, in prevalenza di genere femminile – infatti, altra caratteristica del campo dell’autoscatto è proprio la numerosa presenza femminile – europee che, al di là delle differenze, anche anagrafiche, hanno tutti un notevole curriculum artistico e professionale di livello internazionale.
È caratteristica dei nostri tempi l’apparizione di un modo nuovo di riflessione sulla propria identità, sul proprio corpo, sulla conoscenza di sé. Finito lo “scandalo”, finita la necessità ontologica di una autodefinizione, l’artista ha cominciato a indagare su se stesso come oggetto di conoscenza, da
un lato, e come soggetto di narrazione, dall’altro: la metodologia dell’autorappresentazione è apparsa la più funzionale e la più appropriata per simili operazioni; la stessa componente narcisistica, certamente presente, assume un valore diverso se leggiamo il mito greco non come
esempio di futile vanità (Narciso muore affogato o di consunzione, a seconda delle versioni, perché innamorato di sé) bensì come esemplificazione dell’operazione del conoscere, cioè il percepire l’altro da sé (ciò che sta davanti al soggetto conoscente) e comprenderlo (che, etimologicamente, significa “prendere insieme”, “afferrare”), per cui Narciso muore nel tentativo di “afferrare” la sua immagine “riflessa” sull’acqua proprio per conoscere se stesso, cioè con l’“autoriflessione”, e si consideri che possiamo conoscere la parte più significativa del nostro corpo – il volto – solo con lo specchio, che ci “riflette”: con il mito di Narciso si evidenzia che il desiderio di conoscere comporta rischi estremi, fino alla morte, come insegna anche l’altro grande mito sulla conoscenza, l’Ulisse dantesco.
È evidente che in questa odierna società, sempre più spersonalizzata e basata sull’immateriale, il percorso di riappropriazione non può che partire da se stessi e dal proprio corpo:
l’autorappresentazione, quindi, permette di evitare mediazioni, funziona come “specchio”. Un altro dato interessante consiste nel fatto che, come si è accennato, tra gli artisti che usano l’autorappresentazione, sono prevalenti le donne, per spiegare il fenomeno possiamo ricorrere a tutte le categorie indicanti le caratteristiche femminili: intimità, riservatezza, immediatezza, pudore, e così via, se non le interpretiamo in modo mellifluo e se accettiamo la lezione del femminismo più accreditata che prevede non l’uguaglianza bensì l’esaltazione delle differenze di genere.
Infine, ma a rigor di logica sarebbe la prima domanda da cui partire, dobbiamo chiederci: perché proprio la metodologia dell’autorappresentazione? Riteniamo che, oltre alle motivazioni sopra esposte, questa forma di rappresentazione/espressione permetta all’artista di unificare soggetto ed oggetto senza mediazioni e di usufruire di una completa “solitudine” nell’atto creativo. Se, infatti, quando l’artista riprende una realtà altra con la camera fotografica, abbiamo l’ingranaggio di tre elementi – il soggetto che riprende, la macchina, l’oggetto ripreso – con l’autoscatto il primo e il terzo si unificano quasi fagocitando, per così dire, il secondo. Tutto ciò permette di evitare, almeno a livello concettuale e metodologico, ogni interferenza esterna, positiva o negativa, e l’autore si trova “solitario” e carico di una responsabilità, etica ed estetica, maggiore e con una dose assai più ampia di rischio: ma la sfida crediamo, come si può vedere anche in questa mostra, ha dato risultati assai interessanti.

Natascia Becchetti - Stefania Beretta - Isabella Bona - Maria Bruni - Marina Buratti - Anja Capocci -Maurizio Cesarini - Antonio D’Agostino - Luigi Di Sarro - Isabella Falbo - Lucia Gangheri -Anna Maria Gioja - Werther Germondari - Tea Giobbio – Alessio Larocchi – Maria Mulas – Federico Nardelli – Caterina Notte - Virginia Panichi - Valentina Parisi - Daniela Perego - Andreina Polo -  Elettra Ranno - Rivka Spizzichino - Sara Spizzichino - Alessandra Tescione - Mona Lisa Tina - Emiliano Zucchini

Giorgio Bonomi è nato a Roma nel 1946, vive a Perugia. Dopo un periodo di studi e scritti di filosofia politica, tra cui il libro Partito e rivoluzione in Gramsci, ed. Feltrinelli 1973, la collaborazione a “il Manifesto”, si è dedicato all’arte contemporanea come critico, curatore di mostre, saggista e fondando e dirigendo la rivista “Titolo”. Ha diretto il Centro Espositivo della Rocca Paolina di Perugia dal 1994 al 1999. È stato il Direttore della Fondazione Zappettini (Chiavari e Milano) che si occupa della pittura analitica, e della  Biennale di Scultura di Gubbio. Tra le circa duecento mostre curate in Italia e all’estero, ricordiamo: Plessi; Beuys. Difesa della Natura; le Biennali di Scultura di Gubbio del 1992, 1994, 2006, 2008; 3 X Monochrom: Fontana, Manzoni, Pinelli; Pittura 70. Pittura pittura e astrazione analitica. Dirige la Collana Arte contemporanea di Rubbettino Editore, presso cui ha pubblicato gli ultimi suoi due libri, La disseminazione. Esplosione, frammentazione e dislocazione nell’arte contemporanea; Il corpo solitario. L’autoscatto nella fotografia contemporanea.

Centro Luigi Di Sarro  - Via Paolo Emilio 28 - 00192 Roma - Tel. +39 063243513



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Adriana Pignataro “Fertili connubi”

a cura di Giorgio Di Genova

19 gennaio – 8 febbraio 2013

Inaugurazione: sabato 19 gennaio ore 18,00

catalogo in galleria


The artistic life of Adriana Pignataro is marked with suggestions, both chromatic morphological, developed according to the moods of each period, variations in the constant search luce.  Le works now proposed, documenting a period of time from  2008 to 2012, represents the last stage of uninterrupted anabasi time  to reach the  summit of a personal artistic journey that , in the Babel of Languages in place, is distinguished by  accents and expressive solutions and dialogue between painting and torn papers.


Adriana Pignataro years exhibited in contemporary art events in Italy and abroad.
Rome graduated from the School of Ornamental Arts of City, she attended the School of Nude at the Academy of Fine Arts in Rome. Alongside his work as an artist than as a lawyer.



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Nobushige Akiyama. Leggerezza/Resistenza/Dimensione
curated by Emanuele Rinaldo Meschini

Under the patronage of the Japanese Culture Institute, Italy Japan Foundation
and the collaboration of Doozo, Art book & Sushi

Opening: Tuesday December 4th, h. 18:00

The exhibition Leggerezza/ Resistenza / Dimensione, is intended to demonstrate the relationship between the figurative international and Japanese culture through the work of Nobushige Akiyama, perfect example of cultural hybridization. The works on paper created by the Japanese artist fit perfectly into the current research of contemporary art without sacrificing the tradition and national culture. The poetics of Akiyama is in fact balanced between the reasons of contemporary research globalized and those of a secular tradition localized. The Japanese artist uses the paper through those that are the main drivers of the sculpture like strength and size, adding at the same time the element of lightness typical of paper. Through traditional Washi paper, Akiyama analyzes the surrounding environment to create a site-specific based on the oxymoron of the lightweight sculpture. The entire environment for so will be investigated by this sculptural paper, allegory of a culture stratified and light, in the sense of rewritable and reinterpretable.

Nobushige Akiyama (Yokohama 1961) graduated at the University of Art and Design in Tokyo in 1985, sculpture course, he moved to Italy where he enrolled in the sculpture course at the Academy of Fine Arts in Rome. From 1997 he began to exhibit in Italy, Japan and India, participating in important projects of collective art. In 2000 in Japan participates in the Tokoname symposium. Akiyama participated at the exhibition Carta e Arte Contemporanea – Energia delle carte at Accademy of fine art of Bologna. In Rome exhibited at the Church of artists with the exhibition Disegnare il vangelo nel Terzo Millennio. At the National Museum of Arts and Popular Traditions of Rome, he displayed the exhibition entitled Il pianeta carta nel Terzo Millennio (2001). He recently made ​​his debut as a stage designer in the play at the theater AOI Agora of Rome, in which, for the occasion, with the only Japanese paper which he made​​, he made ​​rugs, lamps and accessories for the tea ceremony.




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Paolo Baraldi. Io Manifesto
Curated by Economics Department

8 – 30 november 2012

With the collaboration of Laboratorio HG 80, Bergamo

Opening: Thursday, November 8th, h. 18:00


The exhibition, curated by the mobile laboratory / observatory Economics Department, focuses on the work of Paolo Baraldi (Bergamo 1977).
It is presented in this occasion a series of works focused on the theme of the photographic portrait, divided in disappearance, attack and unveiling. Portrait polyvalent therefore, used as an "anti-advertising" and posted on the streets of several Italian and European cities.
The themes and practices of street art become more art-historical because of the use of portrait  the main feature of visual art. The themes and practices of street art become more art-historical because of the use of portrait  the main feature of visual art historical. The face used as a distinguishing mark of a person who only advertises its presence, responds to the social vision that Baraldi has. Public art as a result of the collaboration. The exhibition aims therefore to highlight the work of the artist, based on research of a new way of communication through the use of the poster.
The works carried out in recent years by Baraldi, in work such as Almost Rebels or billboards made ​​in Finland, go exactly in the direction of a manifestation of presence. Baraldi turns the photo-portrait in a poster to be exhibited in different areas, using the city as a great identity card. The street art of Baraldi is composed of an awareness in the communication that goes beyond the specifc elements of the reality. There is always, in fact, a constant desire to build or re-built the sociality, a sociality that to be known and recognize, must first be manifested.

Paolo Baraldi - Il Baro (Bergamo 1977) began his artistic career creating graffiti in the first half of the Nineties. In 2003 he graduated in Education  Sciences and from 2007 worked as a professional educator for the city of Bergamo with innovative projects dedicated to young people. In 2012 he obtained a Diploma in "Theory and practice of contemporary artistic languages​​" at the Academy of Fine Arts G. Carrara of Bergamo.



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La Gazzetta del Sud Africa 1 ottobre 2012


We are very proud to announce next LUIGI DI SARRO's show in the program of Cape Town Photography Festival, 5th edition. It is an event promoting by the Centro 'Luigi Di Sarro' based in Rome and the Italian Consulate in Cape Town. The exhibition will show around 30 photographic works made by Luigi Di Sarro in the 70es in Italy. Some of these works are in collections of prestigious museums around the world (the last acquisition is in the Pompidou Centre in Paris, where 5 works are now exposed in the permanent collection). is a very experimental works wich is so actuall as at the present time."It's my life" is the exhibition title, in order to the Festival theme wich is "Autobiography". The opening will be on Oct 11th at 6,30pm in the Old Recruitment Centre - Castle of Good Hope, Cape Town, City Bowl. During the opening a talk will be conduct by Carlotta Sylos Calò - lecturer at Tor Vergata University of Rome and MAXXI Museum collaborator, wich is the author of the latest book about the photographic laboratory of Luigi Di Sarro.



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La stazione di servizio è un vero e proprio topos della storia della fotografia: un luogo dalle forti connotazioni metaforiche che è stato indagato, dai primi anni del XX secolo in avanti, da molti dei più influenti fotografi moderni e contemporanei (tra di essi, solo per citare alcune figure nodali che hanno definito l’approccio e le principali chiavi di lettura rispetto al tema, Walker Evans, Dorothea Lange, Robert Frank, Ed Ruscha, William Eggleston, Stephen Shore, Luigi Ghirri). Come ha scritto Geoff Dyer, ciò che essa incarna e favorisce «è una civilizzazione istantanea (fast food, self-service), fondata interamente sulla velocità delle transazioni e sull’immediata gratificazione». Il rovescio della medaglia, l’altra faccia di un simile “modello di civiltà” – inversa o perversa rispetto alle sue funzioni pragmatiche ed economiche – concerne evidentemente le forme di relazione, controllo, sfruttamento che esso sottende; che produce e radica nel tessuto sociale.
La mostra presenta tre progetti accomunati da un tema trasversale risolto mediante approcci differenti al mezzo fotografico: un reportage (Jacopo Tomassini), una serie di ritratti ambientati (Luigi Avantaggiato), una lettura più concettuale e quasi pop (Antonio Cama). Al centro di tutto, il lavoro di alcuni immigrati alle pompe di benzina, e i sintomatici “paesaggi involontari” che ne derivano. Il lavoro, dunque – tema al centro della XI edizione di FotoGrafia - Festival internazionale di Roma (2012) – indagato più in relazione ai suoi presupposti (politici, sociali, economici) che alla sua immediata apparenza visiva; inteso non tanto come icona, rappresentazione o soggetto, ma come residuo di un meccanismo più ampio e complesso.
Gente che ci ruba il lavoro, di Jacopo Tomassini, è un work in progress che si propone di raccogliere diverse indagini che hanno come tema principale l’immigrazione e in particolare il racconto di quei lavori che gli italiani non vogliono più fare o dei nuovi lavori nati in relazione al flusso d’immigrazione degli ultimi anni.
Unself Service, di Luigi Avantaggiato, propone una serie di ritratti di una generazione di immigrati del Bangladesh che lavorano nelle stazioni di rifornimento romane. Una generazione di studenti, uomini d’affari, commercianti e liberi professionisti, ingegneri e architetti che hanno abbandonato la propria terra d’origine per vivere di pochi centesimi. Durante la notte, questa piccola lobby presidia le pompe di benzina della città e aiuta gli automobilisti nel rifornimento delle auto, guadagnandosi una mancia.
In Gasolinee, attraverso uno sguardo estremamente ravvicinato, al limite dell’astrazione grafica, Antonio Cama decostruisce l’immagine dei distributori di carburante inseriti nello spazio urbano, osservandoli come “luoghi comuni” in apparenza legati a valenze meramente pratiche e utilitaristiche, ma che in realtà rispondono a ben più ampie logiche economiche, tipiche del mondo globalizzato.


Jacopo Tomassini (Roma 1979) è stato assistente fotografo di Corrado Sassi, Toni Thorimbert e Arabella Schwarzkopf. Ha lavorato come stampatore con Andrea Calabresi e nel workshop TPW. Nel cinema ha fatto per diversi anni l’assistente e l’aiuto regista, collaborando, tra gli altri, con Edoardo Winspeare, Vincenzo Marra e Alessandro Angelini. Nel 2008 ha fondato, con altri, la Pinup Filmaking, società di produzione che ha realizzato documentari e progetti fotografici.

Luigi Avantaggiato (Zurigo 1984) si dedica alla fotografia con progetti personali, spaziando dalla ritrattistica al paesaggio. Ha all’attivo mostre a Roma e a Lecce. Parallelamente porta avanti progetti di ricerca scientifica su cinema, fotografia e arti visive. Collabora con il dipartimento di Storia dell’arte e spettacolo della Sapienza ed è autore di saggi scientifici e pubblicazioni monografiche.

Antonio Cama (Messina 1975), fotografo freelance, dal 2007 lavora come photoeditor per l’agenzia Signdesign e per il magazine di interior design Livingroome. Collabora con diverse agenzie della capitale ed è docente di fotografia d'architettura presso lo IED di Roma.



Corriere della Sera - Roma  pp. 1 e 7

Il Quotidiano della Calabria p. 39


Alba Di Sarro ha compiuto 100 anni
Alba Mazzei Di Sarro il 20 agosto 2012 ha compiuto Cento anni,
dal 1981 presiede il Centro Luigi Di Sarro



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 A Parigi 5 opere fotografiche di Luigi Di Sarro sono esposte al Centre Pompidou in Les Collections Contemporaines. Les Oeuvres de 1960 à nos jours, nella sala dedicata alla sperimentazione italiana (4° piano, sala 11).
Le operedi Accardi, Boetti, Castellani, Di Sarro, Gioli, Merz, Paladino, Pistoletto, Zaza, Zorio, tutte scelte tra quelle presenti nella collezione del museo, sono state esposte nella primavera del 2011 e rimarranno esposte fino alla primavera 2013.
Inoltre, Di Sarro è presente nel libro: Quentin Bajac, Le corps en éclats. La Collection de Photographies, Ed. Centre Pompidou, Paris 2011, pp. 16, 78, 93.



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By Diego Mormorio.
Opening on friday 8th June 2012, 18h00
Anna Romanello, internationally acclaimed artist and painter, is presenting her unreleased works at the Centro Documentazione Ricerca Artistica Contemporanea Luigi Di Sarro, as part of the exhibition called London Reflections, collecting photographs and other pieces created in the two years spent in London, never before shown in ltaly.
The visual research undertaken by the artist, originally started at S.W.Hayter’s Atelier 17 in Paris, has allowed a new interpretation of the creative languagea, now under a revolutionary light by merging graphics and photography in a constant and experimental  evolution.
Diego Mormorio writes: “In Anna Romanello’s images I find familiar London things, but what strikes me most is a contamination extremely dear to me: the blend between photography and engraving. The artist is indeed creating her shapes by using glossy surfaces which she engraves and enriches with different techniques. Therefore, we cannot define her works as mere photographs, but rather images taking form from the latter, and the latter then blending with painting. I find all of these to be simple yet rigorous.  By looking at them I seem to e bwalking on a wire stretched between photographic reality and imagination.
Anna Romanello, a true artist-performer, after completing her studies at the Accademia delle Belle Arti di Brera in Milan, moved to Paris where she gained a qualification in graphics at the prestigious Ecole Nationale Superieure des Beaux-Arts. During her French stay, her works were exhibited in numerous art galleries, and she took part to the “Il Manifeste du livre d’Artiste” held at the Centre George Pompidou. Years later, the artist held an exhibition at the Istituto Italiano di Cultura in both Vancouver and Vienna. She is currently working as an Art Graphics Teacher at the Accademia delle Belle Arti in Rome.
Her works can be found in different art galleries and state museums such as The British Museum in London, the Bibliotheque Nationale in Paris, the State Library in Prague and Bratislav, the Calcografia Nazionale in Rome, the Biblioteca Nazionale Sormani in Milan, the Biblioteca Nazionale in Florence, the Modern Art Gallery in Bari, the MAON-Museo dell’Arte dell’Otto e Novecento “A.Capizzano” in Rende.
Author index by Diego Mormorio and Jean Rony published by Gangemi to be found in the art gallery.
Opening: Friday 8th June 2012, 15h00
Location: Centro Luigi di Sarro, Via Paolo Emilio,28-Roma
Exhibition Dates: 8th-23rd June 2012
Opening times: from Tuesday to Friday, 16h00-19h00
Press office: Kora Diffusione Culturale (347.0058042 – 347.0492505)



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I am the reality which is missing much
Curated by Dario Evola


Exhibition opening: Thursday 10th May, 6 pm
10th May – 30th May 2012 (Tue – Sat, 4 pm to 7 pm)
Catalogues available in the gallery


Marilena Vita – selected the last year by the Centro Di Sarro for the exhibition held at thePhotographersGalleryZA - Erdmann Contemporary at Cape Town during the Italian Culture Week 2011 and included in the ongoing project of cultural exchange with South Africa – exposes in this solo exibition at Rome, two series of photographic works and the video Ella Este (2012).
Dario Evola writes: The artist stages an awareness of the conflict between real and imaginary, where the woman’s body is the theatrical site of the truth. (…) Marilena Vita plays an paradoxal act between performance and image, starts from the body and reaches the body, through the body, its own. (…)The photograph is performative, witness of an act of vision as a responsible act of the artist to the world. ...

Marilena Vita artist and filmmaker is internationally active with photography, video art, painting, performance, particularly in Miami, Mons (Belgium), Genoa, Milan, Athens, Syracuse, Kalamata (Greece), Berlin, New York, Rome, Basel, Prague. Awarded for video art from Columbia University in New York in 2009. Among the most recent solo shows: Regional Rice Museum, Palermo Museum MLAC University La Sapienza, Rome; Public Library Ursinus-Recovery, a former Benedictine monastery, Catania; Lorenzelli Art Gallery, Milan; Erdmann Contemporary Gallery, Cape Town.



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maps, visions, colors

Catalog text by Giuseppe Cannilla

Exhibition opening: Friday 13th April, 6 pm
13th April – 5th May 2012 (Tue – Sat, 4 pm to 7 pm)


This exhibition shows the latest paintings by Eclario Barone,  Luigi Caflisch and Mauro Magni. It born from the ancient and common association with the Centre Di Sarro, together with the pictorial journey shared in the 80’s Academy of Fine Arts in Rome at the chairs of Trotti and Avenali.

Roberta Rosetti, architect, cures the installation of the exhibition that Giuseppe Cannilla, author of the catalog text, summarizes in this way:

"... A series of windows, or maps, on, and of the reality in which we live: windows or maps that try to contain or to frame situations are very different but equally similar, the "apparent" cacophony of the city expanded, as the "apparent" harmonies of nature and history.
The windows of  Barone, of Caflisch, of Magni, opened on the metropolis, on the nature and history, on ourselves, are illuminate of the same force and of the same weakness, of the same bright colors, acids or plates ... "



Centro Luigi Di Sarro
via Paolo Emilio, 28 – 00192 Roma – tel. +39 (0)6 3243513



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Federica Amichetti. Iconography of the Invisible
curated by Paola Ballesi

sponsored by the City of Rome-Municipio XVII and the art council of the City of Recanati
Exhibition opening: Friday 16th March, 6 pm
16th March – 7th April 2012 (Tue – Sat, 4 pm to 7 pm)
Catalogues available in the gallery
Iconography of the Invisible is the first solo exhibition in Rome of Federica Amichetti, who shows her series of paintings Liquiscape (2011) exploring Illusion. “When our thoughts are not cages, but rather light forms similar to silk, and they are fragile, and transparent, or just signs, they will reveal what is beyond. And perhaps what is beyond is more real than what we call reality.” (Federica Amichetti)

Federica Amichetti studied at the Academy of Fine Arts in Macerata. Among the younger artists in the art scene in her region, she is perhaps the one who most clearly and unequivocally carries out a precise investigation of the possibilities of cognitive penetration of contemporary art, the main path to forcing the border of reality and “letting the Invisible be visible”. A path already walked by the great masters of modernity, who created a new tradition of reduction and anti-mimetism. Federica Amichetti explores this path in her own way and offers a painting which floats between reality and dreams. This approach is reflected in the magic Liquiscape, landscapes that unify nature and culture, the material and the immaterial, the visible and the invisible.

Federica Amichetti lives and works in Recanati. Since 1999 she has attended the Minimo Teatro drama school in Macerata under the direction of Maurizio Boldrini and also took part in the workshop on the feminine held by Betty Bee in Pesaro, as well as a workshop on the perception of reality held by Bernard Rudiger in Exilles. In 2011 she attended the Marche region section of the 54th Biennale di Venezia curated by Vittorio Sgarbi at the Mole Vanvitelliana in Ancona.
Centro Luigi Di Sarro - Via Paolo Emilio 28 - 00192 Roma - tel. +39 (0)6 3243513



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TREBISONDA  -  Danilo Fiorucci, Robert Lang, Lucilla Ragni
a cura di Giorgio Bonomi

Presentazione del libro G. Bonomi, “TREBISONDA, una storia contemporanea”, Introduzione di B. Corà, Ed. Quater
Trebisonda è un’Associazione nata trenta anni fa a Perugia e da allora si occupa incessantemente di arti visive. Molti artisti, perugini, italiani e stranieri, hanno fatto parte dell’Associazione, organizzando mostre ed esponendo le loro opere.
Trebisonda è sempre stata attenta a non restare confinata nella propria provincia, anzi ha sempre guardato a tutto il Paese e all’estero, dove molteplici sono state le iniziative, con una preminenza in Germania – qui l’Associazione ha stabilito una vera e propria “corrispondenza di amorosi sensi” con artisti, associazioni, musei – e negli Stati Uniti, soprattutto a Seattle.
Molto incisive sono state le rassegne di videoarte, performance, fumetto che si sono potute realizzare nella sede perugina di Trebisonda, nel corso degli anni.
Di Trebisonda hanno fatto parte: Moreno Barboni, Paolo Tramontana, Massimo Rossi, Francesca Manfredi, Roberta Meccoli, Viceversa e numerosi altri, va segnalato l’ingresso, in un secondo momento, di  Jodi Sandford e Valter Gosti. Oggi l’Associazione, senza perdere vigore nelle sue attività, anzi potenziandole, è composta dai tre artisti fondatori, Danilo Fiorucci, Robert Lang e Lucilla Ragni, che continuano ad organizzare e realizzare mostre di loro stessi, singolarmente o collettivamente, in Italia e altrove, e di altri artisti, italiani e stranieri.
Nella sua lunga attività, l’Associazione non ha mai privilegiato una corrente o uno stile artistico, bensì ha sempre cercato di promuovere e promulgare la ricerca artistica viva e coraggiosa, così anche i tre artisti oggi responsabili di Trebisonda si presentano con opere di diversa poetica e tecnica, ma accomunate, appunto, dalla ricerca continua di definizione del proprio sentire che non cessa mai di avanzare, come avviene quando l’arte è attività innovativa e non noiosa ripetizione.
Nell’anniversario della fondazione di Trebisonda, si sono programmate una serie di esposizioni con lavori di Danilo Fiorucci, Robert Lang e Lucilla Ragni, di cui questa al Centro Di Sarro di Roma è la prima, a cura di Giorgi Bonomi, che ha curato anche il testo del  libro “Trebisonda, una storia contemporanea”,  introduzione di Bruno Corà, cronologia ragionata di Andrea Baffoni e traduzione in inglese di Jodi Sandford.

Con il patrocinio del Comune di Perugia e dell’ Ordine degli Ingegneri della Provincia di Perugia



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Di  Segno in Segno: l’ipotesi, il progetto, l’opera
a cura di Edelweiss Molina   
testi  critici  di Marco Bussagli e Tiziana D’Acchille

opening: sabato 14 gennaio ore 18.00
14 gennaio - 3 febbraio 2012 (dal martedì al sabato ore 16,00 - 19.00)
La mostra collettiva Di  Segno in Segno: l’ipotesi, il progetto, l’opera, promossa in collaborazione con l’Accademia di Belle Arti di Roma, intende, come la precedente mostra tenutasi nella scorsa stagione espositiva, promuovere e catalogare le varie espressioni del Disegno per far emergere, attraverso le diverse affinità delle differenti discipline del Disegno e del Design del Gioiello, il linguaggio progettuale e la sua dinamica descrittiva.
Un’esposizione di intenti che esprime con il segno il linguaggio espressivo che diventa proposta artistica e progetto da attuare.
La sezione Disegno abbraccerà le diverse modalità tecnico-espressive (disegno a carboncino, matita, chine, pastelli ecc.) diventando così opera. 7 protagonisti per le proposte e percorsi di ricerca segnica:
Fabio Arrabito, Roberta Corvigno, Davide Bernardini, Matteo Ortu, Dawei Pan, Monica Pezzoli, Silvia Valeri  e  una raccolta di grafiche di: Salvatore Cannavò, Deng-Qi, Farzanea Kamandi, Gao-Yi -Fei, Emma Gavrila, Toyoda Izumi, Manuel Speel.
La sezione Design del Gioiello è l’ipotesi che si fa progetto fino a diventare prototipo con uno slancio progettuale che si esprime attraverso concetti e proposte originali che scardinano i canoni classici e tradizionali della produzione orafa e di gioielleria.
La ricerca di originalità e di innovazione si concentra sugli aspetti simbolici dell’offerta: ovvero il DESIGN.  
L’importante testimonianza di un percorso di progetto innovativo e degno di particolare attenzione, quello di Giuseppe Cannata, neolaureato ISIA che propone la sua collezione di preziosi su modellazione digitale e le interessanti proposte progettuali di 5 artisti in formazione: Lodovica Chinese, Milena Corasaniti, Martina D’Anastasio, Davide Molino, Flavia Moretti, il  cui percorso descrittivo viene raccontato sulle tracce di un pretesto che diventa prototipo.
Le opere così presentate saranno frutto di un percorso di studi grafico-formale e di un progetto fondato sulla ricerca di un risultato che non tradisce mai il linguaggio autentico di ogni protagonista.


Con i Patrocini del MIBAC, del Comune di Roma Assessorato alle Politiche Culturali, della Provincia di Roma Assessorato alle Politiche Culturali, della Regione Lazio e dell’ISIA di Roma-Istituto Superiore per le Industrie Artistiche

Centro Luigi Di Sarro  Via Paolo Emilio 28  00192 Roma  tel. +39 06 3243513
dal martedì al sabato ore 16.00 -19.00



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dal 21 al 27 novembre 2011

Il Centro Luigi Di Sarro partecipa anche quest’anno alla XIV Settimana della Cultura Italiana a Cuba dedicata al “150 Anniversario dell’Unità d’Italia”.
Il progetto, a cura del Centro Di Sarro, comprende:
la mostra “Visus” realizzata dai due artisti italiani invitati, Erik Chevalier e Mauro Magni, che si inaugurerà il 22/11 al Centro Provincial de Artes Plasticas y Diseno-Sala Barreto a L’Avana;
la Tavola rotonda “Arte e Trasformazione urbana”, relatori Alessandra Atti Di Sarro, Paola Larghi, Stefano Marmorato, Jorge Torres;
e la scopertura di un Murale realizzato insieme dagli artisti italiani Chevalier e Magni e cubani del gruppo Huellas al Barrio Cantarrana, Puente Grande, Playa dove per l’occasione il 25/11 si terrà una festa con un concerto e le autorità.



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Luciano Gabbrielli: la sutura del presente

di Emanuele Rinaldo Meschini

 17 Novembre – 3 dicembre 2011
Inaugurazione giovedì 17 novembre ore 18:00

Luciano Gabbrielli: la sutura del presente

La poetica di Luciano Gabbrielli (Viareggio 1924), rappresenta un’operazione a cuore aperto sull’arte. Gli strumenti chirurgici vengono liberati dalla loro componente di dolore per trasformarsi in strumenti di una passione estetica combattuta a volto scoperto. L’arte di Gabbrielli è infatti molto diretta. A prima vista è una collocazione di oggetti su uno sfondo pittorico, molte volte monocromo. Lo sfondo però si trasforma sotto le sue mani da semplice quinta scenica a palcoscenico illuminato e sembra di assistere alle lezioni di anatomia di Andrea Vesalio. I ferri, gli aghi, i fili, si scoprono vivi, pensanti e amanti, non sono più oggetti, bensì acquistano una vita volta alla conquista dell’altro, alla ricerca del sé specchiante. Gli strumenti di Gabbrielli si agitano in una tensione che nella vita non gli apparterrebbe, ma che ora conquistano in virtù della ricerca. Proprio la ricerca rappresenta la parola chiave per interpretare l’opera di Gabbrielli. Il contesto artistico nel quale iniziò a muoversi era quello degli anni ’70, dell’Arte Povera, dell’happening e della militanza. Nella sua opera però si respira un clima disteso, liberato e pacato. Gli strumenti sono “poveri”, ma la poetica che sottende all’impresa è diversa. In Gabbrielli ci sono, infatti, echi di spazialismo e new dadaismo americano ed egli sembra quasi voler esorcizzare il clima teso di quegli anni con un’operazione, più che mai medica, sul senso e la finalità della ricerca artistica. I sentimenti vengono sperimentati dagli oggetti e la loro espressione, altrimenti scomposta nel mondo degli uomini, trova un suo equilibro.Lo “scopritore” di Gabbrielli fu Emilio Villa, uno dei critici più importanti nella storia dell’arte italiana e non solo, in quanto capì prima di tutti l’opera degli espressionisti astratti americani. Villa, nel 1975, definì Gabbrielli “medico-sacerdote”.Proprio questa definizione rispecchia l’operare di Gabbrielli, sciamano di un rito medico pittorico nel quale il paziente da salvare sembra essere l’arte stessa.

Luciano Gabbrielli (Viareggio, 1924) in seguito alla laurea in medicina, conseguita all’Università di Pisa, ha lavorato alcuni anni come medico di bordo sulla nave che seguiva la rotta Genova-Melbourne. Successivamente, dopo essersi specializzato negli Stati Uniti alla Columbia University, ha prestato servizio presso il Presbiteryan Hospital di New York. Tornato in Italia, ha lavorato come anestesista all’Ospedale Maggiore di Milano ed al San Giacomo di Roma. Si è dedicato a lungo allo studio dell’agopuntura, dell’omeopatia e dell’ayuverdica. Scoperto come artista dal grande critico Emilio Villa, ha esordito nel mondo dell’arte nel 1975 con una mostra presso la Galleria della Trinità a Roma. Ha esposto le sue opere nel 1978 presso gli spazi della Galleria Pagani di Milano e, successivamente, in altre importanti occasioni.
In parallelo all’attività come medico, si è dedicato, oltre che all’arte, alla scrittura di testi tra cui ricordiamo quelli autobiografici come Pappà (2010) e Se lo vedo te lo dico. Sul filo della memoria di Luciano Gabbrielli (2011), entrambi curati da Gabriella Nocentini.
Luciano Gabbrielli vive a Firenze.



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Curated by Roberto Mutti

Opening: Thursday 20 October 2011 at 6:00 pm
From 20 October to 12 November (Tuesday to Saturday from 4:00 pm to 7:30 pm)

This Roman exhibition organized by the Centro Luigi Di Sarro in collaboration with the Galleria Acta International and the Camera Club of New York, and under the patronage of the Swiss Institute in Rome, was arranged with Linda Salerno last year, and is being held approximately two months after her demise on 17 July 2011.
A complex artist, capable of moving with great awareness within her expressive world where drawing, photography and installation achieve a fine linguistic balance, Linda Salerno’s exhibition at the “Centro di Documentazione della Ricerca Artistica Contemporanea Luigi Di Sarro” evokes her poetics on many planes. In fact, Black Mirror features works executed at various times and with different techniques, which is precisely why they are able to dialogue, creating an itinerary which rather than following a somewhat predictable chronological order, conjures an intricate interplay of cross-references that visitors themselves must seek, discover and make their own.
The black mirror is that of memory, because Linda Salerno constantly reconsiders the emotions she experienced as a child; but it is also the mirror that best represents the photographic matrix of a surface on which the artist intervenes with a formal delicacy that does not exclude the evocative power of the image. The female figure advances lightly, she moves with a grace reminiscent of the gestures of dance, she approaches elements floating in the air, she moves through natural landscapes as if wanting to lose herself in them, become them. One is struck by the innate dynamism of these photographs – which, as such, allude to the three-dimensional but maintain their specific two-dimensionality – especially when one compares them to the drawings of SEVEN STEPS like Release on superimposed vellum papers that seem to invite the viewer to intervene and move them, separate them and study them, to arrive at a final synthesis of the many images gradually revealed.
In this exhibition, the first staged after the artist’s recent premature death, one is impressed by the visionary beauty of her last project with the inspired title The Act of Remembering. It consists in small display cases that hold images drawn from other researches, fragments of images that are like the scattered pages of an encyclopedia of imagery: their presence is rendered equally fascinating and mysterious by the words that appear on the glass enclosing them, which, precisely because they are not titles, become slivers of reality captured by the artist. One only has to read these words to realize that light and absence, marvel and dream, imitation and beauty, perfection and hallucination, emotion and ambiguity have lost their meaning and become sounds hovering in the oneiric universe that Linda Salerno has left us. Roberto Mutti

Linda Salerno was born in 1950 at York, Pennsylvania, into a Calabrian family. In 1972, she obtained a BFA from Moore College of Art, Philadelphia. From that year on, she was one of the early pioneer artists in SoHo/New York, where she lived for 30 years.
From 2002 she lived and worked mainly in Someo and Lugano, Switzerland, and was granted Swiss citizenship. She had solo shows in Lugano and Locarno and displayed her work in solo exhibitions in Chicago and New York.
In 1984-85 she took part in "ANNIOTTANTA", curated by Barilli, Caroli and others at museums in Bologna, Ravenna, Rimini and Imola (Cat. Mazzotta). This is her first solo exhibition in Italy.
For more info:

Catalogue Ed. Charta with texts by Elisabetta Longari, Klaus Honnef, Roberto Mutti, Claudia Steinberg, Martin Kunz, Linda Salerno

Centro Luigi Di Sarro
Via Paolo Emilio 28-00192 Rome tel.+39 063243513
Translated by Susan Ann White for AlfaBeta (Rome)




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Articolo 1

Articolo 2


Somewhere on the other side
Marilena Vita

6 - 31st October 2011
Opening reception Wednesday 5 October 
thePhotographer'sGalleryZA - Cape Town

Centro Luigi Di Sarro is going again to Cape town, with an exhibition by Marilena Vita. Somewhere on the other side will be on view in Cape Town throughout October. The exhibition forms part of an ongoing exchange program between Erdmann Contemporary and Centro Luigi Di Sarro in Rome. It has the patronage of Sociéta Dante Alighieri, Circolo di Cape Town and the Italian Consul in Cape Town. It forms part of the cultural program of the Italian Week in October.



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curated by Maddalena Rinaldi
27 September - 15 October 2011

Opening: Tuesday 27 September at 18.00 h


Tuesday 27 september at 6 pm opens at Centro Luigi Di Sarro in Rome the solo exibition Jacopo Benci. Débrayages, curated by Maddalena Rinaldi.


The exhibition offers a selection of the abundant production of the artist (recent and previously unseen works) by presenting the phenomenological view that the artist takes on reality.
The ‘disengagement’ or débrayage (of time, space, or subject), a concept derived from Greimas, is the leitmotif of the exhibition, organized by thematic areas: non-self, not-now, not-here.
In the photographs of Benci, the split between artistic statement and representation of the image is in fact a constant that is manifested by an absence: simulacra of past subjectivity, temporality, and spatiality. Simulacra through which the artist weaves stories, describes landscapes, establishes profound relationships between the visible of the everyday and what is hidden in his own consciousness.  His photographs, such débrayages, narrate the relationship between the individual and the territory, almost always deliberately anonymous and unknown.
Jacopo Benci’s aesthetic research has always been aimed at revealing the intimate and profound nature of the place of belonging. The artist questions himself – even today, in a world completely explored and technologized – about the possible meanings of his motherland, digging back in time to uncover a layering of cultures, identities and meanings hidden behind the appearances of the everyday landscape in which he lives.
For Benci, the photographic gaze is a tool to understand the urban and natural reality to which he belongs. Inherent in his photographs is a visual perception, which is sensitive and open to new and unexplored territory.
Thresholds, limits, passages, but also appearances, recollections, and memories are the subjects of Sentieri Invisibili (2011) but also of Lontano e Luminoso (2009), through the depth of which the artist traces singular epiphanies, unearthed in the everyday aspects of the environment, lived in day after day. Sudden appearances, in his images, lead the spectator of the beholder towards the disclosure of other universes, universes upon which the artist builds his own identity.

Jacopo Benci lives and works in Rome. His artistic work includes photography, installation, video, film, performance. It has been exhibited in galleries and museums and presented in video festivals, in Italy, Argentina, Ecuador, France, Germany, Great Britain, Hungary, The Netherlands, Russia, United States, Thailand.
His most recent solo exhibitions to date are, Un itinerario possibile – A possible itinerary 1981-2011, MLAC Museo Laboratorio di Arte Contemporanea, ‘Sapienza’ University, Rome, curated by Lucrezia Cippitelli (2011); Jacopo Benci. Itinerari in video (part of the series ‘Testi e Testimoni IV’, organized by the House of Memory and History), Sala Santa Rita, Rome (2011); Sentieri invisibili, Hybrida Contemporanea, Rome, curated by Martina Sconci (2010); L’infraordinario, TraLeVolte, Rome, curated by Rossella Caruso (2008, part of the ‘FotoGrafia’ festival 2008).
Since 1998 Benci is Assistant Director for Fine Arts at the British School at Rome; in this role, he has coordinated more than 40 exhibitions of British artists at the BSR and other venues in Rome and Italy. In 2006 he curated the exhibition Responding to Rome. British Artists in Rome 1995-2005 at the Estorick Collection, London.

This event is organized in occasion of  Day of the Contemporary 

 promoted by AMACI 


Jacopo Benci, Débrayages
Curated by Maddalena Rinaldi
27 September - 15 October 2011
Tuesday -  Saturday   5 pm/8 pm
Centro di documentazione della ricerca artistica contemporanea Luigi Di Sarro
via Paolo Emilio 28, 00192 Roma  tel. 06 3243513



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Luigi Di Sarro. Morfologie esistenziali

Recanati, Museo civico di Villa Colloredo Mels
23 settembre – 30 ottobre 2011

Mostra a cura di Paola Ballesi

35 opere dell’artista medico Luigi di Sarro

Si apre il 23 settembre alle ore 18:00 la mostra
promossa dal Comune di Recanati in collaborazione con il Centro di documentazione e ricerca artistica “Luigi Di Sarro” di Roma, con l’Associazione “Spazio Cultura” di Recanati e con il patrocinio dell’Assessorato alla Cultura della Provincia di Macerata


Morfologie esistenziali è il tema della mostra in omaggio a Luigi Di Sarro, medico e artista, già docente di Anatomia all’Accademia di Belle Arti prima di Macerata poi di Roma, che negli anni Sessanta e Settanta aveva maturato un’importante ricerca sperimentale sul linguaggio figurativo e le sue forme.
Una ricerca nutrita di grande libertà espressiva, libera come la sua giovane vita improvvisamente interrotta la notte del 24 febbraio 1979 quando incontrò un assurdo destino. Luigi Di Sarro è morto a 37 anni, ucciso per un tragico errore da forze dell’ordine in borghese durante i controlli nella capitale nel cosiddetto periodo degli “anni di piombo”.
Alla dolorosissima perdita la famiglia ha cercato di reagire fondando il Centro “Luigi Di Sarro”, uno spazio nel quartiere Prati di Roma per ospitare il suo archivio e promuovere giovani artisti emergenti, attraverso cui l’amore dell’arte per la vita e della vita per l’arte possa continuamente rinnovarsi e trovare ulteriori appassionate conferme.

Luigi Di Sarro appartiene a quella generazione di artisti utopici che hanno attraversato con varia fortuna la metà degli anni Sessanta e tutti gli anni Settanta, convinti che l’arte dovesse farsi carico di un radicale progetto di cambiamento dei propri linguaggi e di tutto il mondo.

La mostra ricostruisce l’ultima stagione dell’artista, che affida al segno e al gesto visivo le sue intense prospezioni esistenziali frutto di una ricerca di carattere sperimentale allo scandaglio della morfologia e dei segreti dell’immagine strettamente e intimamente intrecciati con gli enigmi della vita, documentati  con opere di grafica, fotomontaggi e fotografie cui l’artista ha consegnato forse il percorso investigativo a lui più congeniale.




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Libertà e Destino

a cura di Paola Ballesi e Roberto Cresti

Macerata,  Palazzo Buonaccorsi
23 luglio-3 settembre 2011

Inaugurazione 23 luglio ore 19:00


Nell'ambito della Rassegna Sferisterio Opera Festival 2011 una mostra di arte contemporanea organizzata dall'Accademia delle arti di Macerata (ADAM) in collaborazione con l'Associazione DiViniVersi, l’Istituzione Macerata Cultura, il Comune di Macerata, l’Associazione Arena Sferisterio, con il patrocinio della Provincia di Macerata e con il contributo finanziario della Camera di Commercio di Macerata, ha proposto una rivisitazione del tema Libertà e destino dal punto di vista della sperimentazione artistica. un percorso narrativo articolato in tre sezioni tematiche: Vanitas Vanitatum, Sulle ali della libertà e Sorte, fortuna, destino, con 30 opere composte con le tecniche più svariate, da quelle tradizionali alle nuove tecnologie, ma con una forte prevalenza della fotografia che nel panorama artistico attuale sembra  più attrezzata ad esprimere lo spirito e l’immaginario del nostro tempo.

Tra i 10 artisti, partecipazione straordinaria di Luigi Di Sarro, che dell'Accademia di Belle Arti Di Macerata fu docente di Anatomia Artistica. Esposte alcune delle sue fotografie sperimantali che esplorano il linguaggio figurativo e le sue forme, realizzate negli anni  Sessanta e  Settanta. 



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“Un proyecto especìfico” it is the installation realized in The Havana by Paolo Bini and Catherine Biocca for the XIII Settimana of the Italian Culture of the 2010. The two artists selected by the Center Luigi Di Sarro on invitation of the Italian Embassy to Cuba have exposed their job in the rooms of the Convent of St. Francis to The Havana Old and during their permanence you/they have planned and realized a work site-specific that represented their meeting with the Cuban reality. Of this prolific experience has been realized a catalog that the photographic story of the show picks up done in The Havana, accompanied by the texts of the Ambassador Marco Baccin and Alessandra Atti Di Sarro that the project has taken care of. They are some years that the Center Luigi Di Sarro hands before artistic initiatives of this kind in different areas of the world with the objective to promote the meeting, the knowledge and the comparison. The show that is inaugurated in Rome, over that to realize the Cuban experience, wants to open the debate on the importance of the cultural dialogue, especially in the environment of the search and the experimentation.



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Giovanni Buzi was an artist and a writer. The hallmark of his works is an endless quest into the tonalities of colour. His abiding fascination is faces - in portraits, self-portraits, masks - a constant interplay of wonderment between the visible and invisible.



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La solitudine del ritorno

 “Il Possibile” di Michele Prezioso è un attraversamento spietato e ironico, un viaggio interinale, interplanetario e interculturale in luoghi simbolici e spazi  quotidiani apparentemente lontani anni luce,  che crea connessioni neurali tra Breton e Wittgenstein, Borges e Truffaut , toy story e  manga, fantascienza, robotica e ingegneria genetica, che l’artista lega con un filo concettuale  poetico in una matassa linguistica il cui bandolo è offerto allo spettatore chiamato a inoltrarsi in una dimensione del possibile ovvero altra, che può rivelarsi un buco nero in cui sprofondare o una costellazione di soglia da attraversare come un labirinto di specchi, con fluidità e destrezza. La posta in gioco è quella di ritrovare un’identità collettiva attraverso la perdita dei riferimenti e degli stereotipi,  un luogo comune e molteplice in cui riconoscersi ritrovando lo slancio verso la vita vissuta come trasformazione etica e ricerca delle verità profonde, nascoste ai più. Attraverso lavori inediti e opere recenti, pittura e ready made, forme siderali e ataviche, oggetti trovati e cercati , tra proto-design  e gadget pop, memorie letterarie e filosofiche, frammenti di vissuto, crea un cortocircuito del senso, una  dis-locazione:  spiazzando l’osservatore apre ad una dimensione dell’essere  con  un retrogusto inquietante,  lievemente perturbante, direbbe Freud.  Disegnando un itinerario di fuga dalla vita quotidiana dove convergono atopia e utopia, ci porta altrove  riconducendoci paradossalmente alle nostre origini e facendoci ritrovare noi stessi. Sostanzialmente un percorso di solitudine, quella della partenza e dell’arrivo e quella ancora più irreversibile del ritorno, come dice Marc Augé.
Prezioso, artista sommerso e inviato speciale, si cala nel ruolo di regista di una fiction visionaria e spietata un reportage allucinato che offre momenti di innocenza e disincanto oscillando tra astrazione e contingenza , con una capacità di immersione e un’attitudine innata nel  portare alla luce tesori nascosti,  riesumare organismi ibridi, cartografie di mondi immaginari e storie fantastiche di ordinaria follia, in una messa in scena da teatro dell’assurdo, che ti cattura come un sogno ad occhi aperti con l’incubo sempre in agguato. Il problema è solo separare la realtà dalla finzione: ma questo è possibile passando attraverso lo sguardo specchiato di Levy, la creatura di pensiero appena caduta dalle nuvole del pianeta azzurro che appena tocca  terra ha nostalgia del suo altrove, ovvero della sua preziosa (è il caso di dire) umanità.

Patrizia Ferri



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Curata da Massimo Bignardi, la mostra (che propone un ciclo di opere realizzate dall’artista pugliese per questa occasione) inquadra nel titolo Rovine quattro, tra i tanti possibili temi intorno ai quali porre riflessioni sulla contemporaneità e il suo ‘amoroso’ rapporto con la memoria. De Palma ha scelto, per porre un immediato dialogo con la Città Eterna, la poesia di Rainer Maria Rilke, posizionato lo specchio dell’immaginario tale da accogliere quattro temi o lui cari: la Poesia, l’Arte, la Bellezza e il Tempo. “Quattro temi che ripropongono – scrive Bignardi nel testo al catalogo pubblicato da Claudio Grenzi Editore – ancora la centralità del ‘classico’ inteso come corpo capace di produrre una reazione al tendenzioso scivolare verso l’apparenza dell’opaca mondanità, propria di questi nostri anni. ‘Classico’ come sperimentazione di una nuova figurazione, pronta a farsi immagine del verso poetico, nella piena consapevolezza di una libertà interiore assunta come ‘autenticità’. Gli acquerelli, innanzi tutto, poi i disegni a pastello e matite colorate che fanno da sopporto a figure di giovani, di ninfe, di meduse ritagliati nella sagoma e  sovrapposti, spessore su spessore, al nero assoluto del fondo; infine la scrittura proposta nella traccia luminosa della grafite che solca il campo nero e infinito del foglio. Teo de Palma rilegge Rilke fuori dai registri che solitamente tengono legata la poesia all’immagine; anzi si serve di soggetti immaginativi che si propongono come completamento, come elementi capaci di dare al verso una nuova consistenza, appunto di segnatura, dunque presenze di un archivio mentale al quale l’artista non fa mancare una certa sperimentazione anche sul piano formale. Quello che propone da tempo l’artista non è una riappropriazione del ‘classico’, quanto un’avvertita rinascita interiore, intesa come necessità che non implica livelli attinti dai modelli, quindi una declinazione in odore di ‘classicismo’, un modo di procedere assecondando il suo immaginario alla nostalgia. Lo scatto del colore, ancora decisamente astratto, porta le figure al di là della soglia di una possibile configurazione intellettuale-simbolica: esso continua a rispondere alla sfera emotiva, alla sintassi dell’espressione.”
Le “tre stanze” disegnate per l’occasione, seguono le suggestioni sollecitate da tre tempi immaginativi: dai “Sonetti ad Orfeo”, dalle “poesie sparse” e dalle “rovine”. Dapprima piccoli fogli danno vita ad una grande parete, un’installazione che chiede supporto ad una tessitura di scritture e di piccoli segni , poi i grandi acquerelli che scandiscono i ritmi bianchi delle pareti che organizzano le successive stanze. 



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Una mostra itinerante di tre artiste - ma non è una mostra di genere - accompagnate da un critico amico, per un viaggio che comincia ora ma si vuole assai lungo, per l'Italia e all'estero.
Le artiste si presentano con tutte le loro differenze ma con un filo che, in un qualche modo, le unifica: tutte e tre, infatti, lavorano su quel margine indefinibile che separa la realtà dall'apparenza, la verità dall'opinione. Problema questo che ha coinvolto la filosofia fin dal suo lontano apparire, senza che mai si sia trovata una soluzione, se non sul piano soggettivo.
Così Pippa Bacca trasforma, con le forbici, la foglia di una specie in un'altra di specie diversa. Pina Inferrera realizza delle fotografie in cui si trasformano gli elementi reali, la natura e lei stessa. Luisa Mazza compone delle installazioni con sfere di vetro su cui ci si può specchiare, ma l'immagine viene, anche qui, deformata.
Naturalmente tutti gli attori di questa iniziativa dedicano a Pippa Bacca questo viaggio, anche perché lei del viaggio ne aveva fatto la sua poetica.

La mostra, già presentata a Milano (Derbylius Libreria Galleria), dopo Roma proseguirà a Perugia (Centro per l’Arte Contemporanea Trebisonda dal 16 aprile).



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A cura di Claudia Colasanti

FUMO è una mostra a tre - un confronto fra autori di area concettuale - che si configura come un dialogo su un tema  scomodo, a prima vista non centrale e non del tutto ‘estetico’ e piacevole.
Il fumo, anche e soprattutto quello emesso dal tabacco contenuto nelle  sigarette, è per taluni un vizio, un’abitudine, ma può diventare una compulsione, un tic,  una gestualità perversa, una vera e propria malattia.
Per Paolo Residori, cui si deve l’intuizione della mostra, la sigaretta (e il suo residuo, il mozzicone) rappresenta un assillo quotidiano, diventato con il tempo un tappeto visivo deformato. La sua ossessione si è mutata nella consapevolezza di voler identificare un colpevole definitivo nel corpo di quel frammento maleodorante. La ‘cicca’ diventa, nella sua grande installazione e nei suoi scatti fotografici (composti e organizzati grazie ad una paziente raccolta di scarti inquinanti), la testimonianza di un delitto, l’emblema del male, della dipendenza, di gran parte dell’inquinamento globale del pianeta.
Sigarette consumate e mozziconi sono al centro anche del prelievo di Pino Boresta, che anni fa realizzò il R.A.U (Ritrovamenti Arteologici Urbani), intervento che consisteva nel recupero di reperti fra i microrifiuti urbani delle strade di Roma. Boresta, che è un non-fumatore, in mostra attenderà che i visitatori fumatori gli consegnino il loro ultimo mozzicone e fornirà loro un certificato autografato, con la scritta “..SOLO PER FUMATORI… QUESTA NON è LA MIA ULTIMA SIGARETTA”. 
Un approccio distante dai precedenti, che riesce a tradurre una sostanza residua come il fumo di candela in un’astrazione poetica, è quello di Cesare Pietroiusti. Si tratta di una serie di disegni su carta (una parte di cento esemplari numerati e firmati) densi di toni fra il grigio e il marrone scuro, i cui proventi verranno interamente devoluti all’Associazione Alzheimer di Roma.

Pino  Boresta è nato nel 1962 a Roma, dove vive e lavora. Il suo lavoro è incessante e capillare, urbanamente onnipresente: il suo viso deformato da smorfie è impresso su muri, cartelloni pubblicitari, insegne stradali, pali della luce, semafori. Il ritratto di Pino Boresta è ovunque nelle città, per ricordarci l’esistenza di sé e della sua irrequietezza artistica ed esistenziale: ci invita a reagire, a rispondere, ad insultare, se necessario. Boresta agisce da provocatore e da  raccoglitore: è un catalogatore umano di oggetti, scarti, tracce, idee e persino residui umani e spazzatura. Un lavoro costante che si sviluppa proprio in direzione dell’ossessione: verso l’identità, il lavoro e i gesti quotidiani.

La ricerca artistica di Cesare Pietroiusti (Roma, 1955) esprime interesse per le situazioni paradossali o problematiche nascoste nelle pieghe della ordinarietà dell'esistenza - pensieri che vengono in mente senza un motivo apparente, piccole preoccupazioni, quasi-ossessioni considerate troppo insignificanti per diventare motivo di analisi, o di auto-rappresentazione. Tutto ciò lo ha portato ad  esplorare scelte e intenzioni formulate da altri, nonché a cercare di fare proprie tali scelte altrui. Negli ultimi anni il suo lavoro si è concentrato soprattutto sul tema dello scambio e sui paradossi che possono crearsi nelle pieghe dei sistemi e degli ordinamenti economici. A partire dal 2004 ha  distribuito gratuitamente decine di migliaia di disegni individualmente prodotti e firmati; venduto storie; ingerito banconote al termine di un’asta per poi restituirle al legittimo proprietario dopo l’evacuazione;   organizzato ristoranti in cui al termine del pasto, invece di pagare, si ricevono i soldi del prezzo del cibo scritto sul menu, allestito mostre in cui le opere sono in vendita non in cambio di denaro, ma delle idee o delle proposte dei visitatori.

Paolo Residori è nato a Roma nel 1953, città dove vive e lavora. La sua visione geometrica del mondo deriva dalla grafica editoriale, che lo impegna sul versante lavorativo. Dopo il 2000 la sua pittura si sposta dalla struttura del ritmo scandito a nuove modalità espressive. Una produzione da cui emerge anche una tendenza meditativa, sempre più collegata a soggetti sociali: le grandi forme astratte sono rappresentazioni di un reale contraddittorio e sfaccettato. Un atteggiamento quasi spregiudicato nell’ignorare mode e tendenze, che gli ha permesso di guardare con interesse in tante direzioni per poi imboccare esclusivamente la strada dell’istinto. Lo stesso motivo che lo spinge, in questo periodo, a misurarsi con nuove forme installative: come nella pittura non ha mai smesso di rinnovarsi, ora l’urgenza di esprimere un’emergenza sociale non più trascurabile crea un sorprendente incontro con la tridimensionalità. Nata da uno stato di irrequietezza mentale nei confronti del crescente degrado ambientale, Residori ora crea metafore visive di grande impatto, che si esplicitano in un’incisiva critica ideologica nei confronti del consumismo. Una scelta rilevante, che lo induce a presentare materiali tra i più imprevedibili, e che sancisce il delicato passaggio che intercorre tra l'idea e la sua realizzazione. 



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Elda Longo is the girl of the mismatched shoes. Hers is a bizarre dualism which expresses the strong desire to consider identity as the result of a hint of contrast, a subtle diversity, a faint touch of dialectic. In this provocative rise is found the all the intellectual shrewdness of a multifaceted artist who sets off on the roads of the world and art in this way. Longo lives the language as an utter, penetrating experience. She allows herself to be captured by a process of progressive reinvention of the image in order to give birth to a sensorial, perceptual absorption wherein the differences are resolved in a higher unit. Even in her artistic production Longo dodges conventionality resorting to a pursuit which makes use of both age-old and ultramodern techniques. Starting-off from a photograph, the image’s definition is lowered and translated into electronic form; the pixels, having so been emphasized, take on the aspect of blurriness which in turn evokes the mosaic-effect. The step from the pixels to mosaic tiles is conceptually brief although materially distant. The evanescent substance of colors in the electronic dimension transits into the very physical one of the glass tile which composes the mosaic. The colored fragments go beyond the flat surface to gain emphasis and give substance to a jutting, three-dimensional material. The virtual mosaic becomes a pretext for a real mosaic design, which all the same never completes itself on the surface but only limits itself to large patches. The visual effect that results is striking and fascinating, with that high-handed blur of tremulous and indefinite forms, with that sheer tonal and gradual texture. The pixels, which are, after all, the base-unit of electronic language (televisions, computers, cell phones), implode a vision towards a less dense dimension and cause the collapse of the perception in a micro universe of abstract particles. The theme in these mosaicked photograms serves another conceptual elaboration, insofar along with the operation of expressive strengthening, there is the subject of the opera. The choice of symbolic monuments and emblematic views of the most famous cities in the world not only constitutes a powerful travel reportage, but the nocturnal shot bestows yet another powerful influence. The artificial and multi-colored lights that shine in the night create an unusual view, crawling with phantasmagoric geometries. The architecture of yesterday and that of today are outlined on the black skies and slowly make themselves unrecognizable, sloping down the glance towards a minute abstraction. Even the enucleating of details alters the conventional visions of the locations which, fragmented in this solution, are loaded with new seduction. The part, in its extreme reduction of terms, shattered to monads and decontextualized, maintains the entire value which actually becomes enriched of magic. This visual synecdoche generates spectacular architectures and enchanting buildings, unreal in its scaled substance. The weave of tiles graduated by color, tone and prominence covers the digitally printed canvas, so as to give internal energy to the shapes, in a kinetic and mysterious buzzing. The dynamism that derives, while evoking classic (the Roman mosaics) and medieval (the Byzantine mosaics) moods suggests neo-futuristic declinations. The electric colors and the electronic fascination clearly bring to a context of modernity, but the retrieving of traditional pictorial techniques and the taste for monuments of the past collocate Longo’s search in a post-modern movement. The strong contrast between the lights and shadows generates light-dynamic scenographies, which unifies the nights of every urbanized location, as if all the architectural symbols belong to a single huge virtual city where neon lights delineate the façade of historical buildings, in Paris like in London, in New York like in Rome, in Berlin like in Naples, in Athens like in Milan, in Sydney like in Rio de Janeiro. Even native Cosenza participates in this ideal tour made of nocturnal stop-overs animated by lit windows, colored signs, luminescent structures. Everything seems to be one big Las Vegas, sparkling, erotized by the lux which excite the night’s cloak. And the light-strewn night, melancholic and silent, calls to meditation, it becomes a metaphor of life. Everything becomes allegorical, allusive of elementary conflicts, of a single unit made of multiple details, of a knowledge which is carried out on the fine line of diversity, where the elements separate, but they also unite. Like a kiteboarder, who between sky and sea is twirled by a kite on the water’s surface. Longo’s is a painting made of light and glass, of air and transparencies, of electromagnetic waves and of poetry, eternal intruder among man’s things, extenuative explorer of the world’s great mystery.



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DISEGNO IN SEGNO ...attraverso l’eloquenza del segno…
a cura di Edelweiss Molina
testo critico Tiziana D’Acchille

inaugurazione: martedì 23 novembre 2010, h 18.00
e fino al 18 dicembre 2010 (dal martedì al sabato orario 17-20)


Il Centro Luigi Di Sarro in collaborazione con l’Accademia di Belle Arti di Roma presenta la rassegna espositiva DISEGNO IN SEGNO …attraverso l’eloquenza del segno… , a cura di Edelweiss Molina e con testo critico di Tiziana D’Acchille.
Il "Centro di documentazione della ricerca artistica contemporanea Luigi Di Sarro", attivo dal 1981 nella promozione dell’arte, diventa ancora una volta teatro e palcoscenico di esperienze artistiche legate al territorio.
Sei docenti di diverse discipline AFFRESCO, DISEGNO-PLASTICA ORNAMENTALE, DISEGNO-DECORAZIONE,SCULTURA, NEW MEDIA ART, TECNICHE E TECNOLOGIE DELLA GRAFICA presentano 13 opere realizzate dagli artisti in formazione della storica Accademia di Belle Arti di via Ripetta:
Stefania Vanni - Ambra Nadalini - Matilde Ricci - Federica Burzi - Chiara Bignami -  Gruppo Opera Aperta (Giulia Lucarini, Vittoria Diana, Fernando Ciminelli) - Vittoria Lauteri - Katiuscia Santonicola -Thiago Contini - Roberto Pecchioli - Accursio Graffeo - Valeria De Felice - Maria Soledad - Giorgia Tempesta.  
Obiettivo dell’iniziativa è quella di promuovere e catalogare le varie espressioni del Segno attraverso il linguaggio di ogni specifica modalità esecutiva.
Un’indagine grafico-formale, ritagliata secondo il linguaggio autentico di ognuno. Una mostra che nasce dall’esigenza di comunicare le emozioni delle arti visive.

La mostra, ideata e curata da Edelweiss Molina, docente presso l’Accademia di Belle Arti di Roma (responsabile nel 2007 dell’evento “Artenergendo” in collaborazione con l’ENEA svoltosi presso il Complesso museale del San Michele in Roma), dopo l’esposizione romana verrà proposta in altre sedi.

Catalogo in galleria

Con il patrocinio di: Ministero Beni e Attività Culturali, Provincia di Roma-Assessorato alle Politiche Culturali, Comune di Roma-Assessorato alle Politiche Culturali e della Comunicazione, Italia Nostra.



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event's program


XIII Settimana della Cultura Italiana a Cuba

Il Centro Di Sarro partecipa alla XIII Settimana della Cultura Italiana che si svolgerà a Cuba dal 22 al 28 novembre 2010. La manifestazione è organizzata dall'Ambasciata Italiana a L'Avana e prevede una serie di incontri a tema letterario, musicale e artistico con la cultura italiana. La collaborazione con il Centro Di Sarro ha permesso di allestire una mostra di due giovani artisti italiani, Paolo Bini e Catherine Biocca che, oltre a presentare le opere al Convento de San Francisco de Asis, realizzeranno per tutta la durata della manifestazione un workshop con altri artisti cubani, con il coordinamento del maestro Arturo Montoto.



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To Heidi Erdmann the frontpage of ARTS TIME. The Centro Luigi Di Sarro is involved with Erdmann Contemporary and thephotographersgalleryZA di Cape Town for an artistic swop project since 2009. Is cured by Heidi Erdmann the current exhibition "Future Memories" by Manfred Zylla at the Centro Di Sarro untill 18th november.



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event's pictures

event's video


Manfred Zylla was born in Germany in 1939, living as a child through the ravages of World War II and its aftermath.  Resident in South Africa since 1970, he became prominent as an artist highly critical of apartheid in the 1980’s with a stream of drawings, prints and paintings.  These works are widely acknowledged as critical for understanding resistance art, an important chapter in South African art history.
The era of resistance art drew to a close in 1994, when South Africa held its first democratic elections.  Zylla has, however, continued to work within a paradigm of social critique, producing works about globalisation and the social and political circumstances, forces and ills at play in South Africa and the world at large.  In this respect, he has made works about pollution, global warming and natural resources, capitalism, crime, drugs, refuges, alternative energy and transport, attitudes towards disability, and Africa as a playground for the rich.
Zylla’s paintings are dealing with issues, which affect all of us.  They tell the plight of the world, and point to Zylla’s strong concern with the destiny of humanity, the future of the planet and most importantly art as a tool for change.    

Manfred Zylla is represented by Heidi Erdmann from (ERDMANNCONTEMPORARY) in Cape Town, South Africa.


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La mostra, curata da Angela Madesani, è dedicata al lavoro di tre fotografi/artisti veneziani: Pier Paolo Fassetta, Guido Sartorelli, Luigi Viola. Si tratta di una rassegna che ripercorre alcune tappe del loro lavoro: saranno infatti in mostra opere degli anni Settanta e altre più recenti.
Il loro lavoro, esposto all’interno di mostre pubbliche e private, mostra quella straordinaria, quanto rara capacità degli artisti di guardare oltre il proprio tempo per collocare il proprio pensiero nel futuro. Se i loro lavori di oltre trenta anni fa erano una sorta di premonizione di quanto sarebbe accaduto, sia da un punto di vista della poetica, che da un punto di vista della ricerca linguistica, i loro lavori attuali prestano grande attenzione all’oggi certo, ma anche alle prospettive future nel senso indicato dal tema di FOTOGRAFIA Festival Internazionale di Roma: Futurspectives. La fotografia può prevedere il futuro?


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AL   FIFA FAN FEST Piazza di Siena – Roma

Photographs of
Opening: Tuesday, Juin 22, 2010  18.00 pm

“After matriculation for my whole life i’ve sold clothes, just like my mother did. I started taking photographs in April 2006. I started by photographing my family. I went to different weddings, although i was not invited, sometimes they would be surprised when they saw me taking pictures of them not knowing who i was. I did this to learn. My first documentary series of work was to photograph a traditional healer’s initiation. I heard noise which I recognized to be associated with initiations, when I was passing by. I went to introduce myself, and they allowed me to take more photographs. It encourages me to work more and document more. After this I had a project of how people live, their daily life. Sometimes parties and weddings in my community and in different communities. Sometimes I’m called to take photo’s at parties, because they know I am a photographer. And this is how I make money, and sustain my lifestyle as a photographer.And now my concern is to develop my next series of work, on different concepts of culture. My own culture and different cultures of urban and rural life."
Lindeka Qampi is a South African photographer who lives and works in the township of Khayelitsha; a vast settlements and shacks with more than 1.200.000 inhabitants. Her work captures the most significant aspects of daily life, from the private sphere to the euphoria of play. In this case the game is football, real pride of South Africa’s black population. Her way of seeing is very distant from the detached, affected view of the other world that we are so used to seeing.
Daily life is an experiment aimed at supporting self representation. Lindeka Qampi’s photographs are sold at an affordable price, to facilitate accessibility and circulation. The organisers, Centro Luigi Di Sarro and The Photographers Gallery Za, will waive any percentage of the sale and all proceeds will be sent to Lindeka Qampi to continue with her work.



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Announcing, in conjunction with this exhibition, a CCNY Conversations Series Panel Presentation
Friday, June 4 at 7pm at the School at ICP

Presenting Allen Baird, Marina Berio, Pradeep Dalal, Omar Gámez and Michael Mazzeo in conversation about contemporary innovative photographic work. Moderated by Allen Frame. This is a free event and open to the public.


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Antonella Gandini Il Silenzio dell’Invisibile
Presentazione di Silvano Agosti
Inaugurazione: mercoledì 14 aprile ore 18

Periodo: dal 14 aprile al 15 maggio 2010
Orario: 17 – 20 dal martedì al sabato

Mercoledì 14 aprile alle ore 18 si inaugura a Roma, presso il Centro Luigi Di Sarro, la mostra personale di fotografia e video  di Antonella Gandini.
Scrive Silvano Agosti: “Antonella Gandini con questo suo Silenzio dell’Invisibile sfida ogni logica e qualsiasi opprimente condizione esistenziale … aiuta a superare i confini del realismo e a entrare nel mondo irreale e magico che pulsa in ogni cosa”.

Antonella Gandini (1958) ,vive e lavora a Monzambano (Mantova).

Dopo aver  frequentato i corsi di pittura e tecniche grafiche all'Accademia "G.B. Cignaroli" di Verona si è laureata in Filosofia con una tesi in Estetica, presso l’ateneo veronese. Dall’esperienza pittorica degli anni ottanta approda alla fotografia seguendo un percorso di ricerca sull'immagine che approfondisce ed esplora  connessioni e strutture di linguaggio liminari tra pittura , fotografia e videoart ( è 1997 il primo video “Presenze “). Espone in mostre collettive e personali dal 1984. Nel 2009 ha  presentato  ai Tinelli di Palazzo Te a Mantova la mostra personale “Lunanera “ a cura di Lucio Pozzi

Presentazione di Silvano Agosti  

Il silenzio dell’invisibile
Da sempre mi chiedo come si possa proporre di scoprire il meraviglioso mondo dell’invisibile, dato che nessuno, in questa nuova e malferma civiltà, ha neppure il tempo di accorgersi di ciò che è “visibile”. Antonella Gandini con questo suo Silenzio dell’Invisibile, sfida ogni logica e qualsiasi opprimente condizione esistenziale, di cui l’attuale società sembra essere fabbrica ideale: invita tutti, con grazia e prudente temerarietà, a incontrare, se non proprio l’invisibile, almeno “un modo diverso di vedere”. Così un fiore, attraverso uno sguardo vitale, diventa silenziosamente qualsiasi cosa. Ma qual è la nuova identità di un’immagine che fugge da una rappresentazione realistica e convenzionale? Con le sue opere Antonella ci dice che un’emozione non ha bisogno d’identità. Non si dà un nome o una qualifica al sentimento dell’essere e quindi l’Autrice a occhi colmi di squallide immagini televisive, automobili, orribili edilizie furtive, cartellonistiche politico pubblicitarie e soprattutto di volti pieni di disagio dei passanti, chiede ai loro sguardi di posarsi e riposarsi sulle magiche geometrie dell’ignoto visivo dei suoi quadri, proponendo un vero e proprio viaggio all’interno delle forme. Soprattutto Antonella Gandini aiuta a superare i confini del realismo e a entrare nel mondo irreale e magico che pulsa in ogni cosa. Ma perché ciò sia possibile le immagini bellissime create da questa sensibile Autrice vanno contemplate con sguardi d’amore, capaci di sciogliere ogni involucro realistico e raggiungere l’anima di ciò che ci appare di fronte. Date tempo a voi stessi di fronte a ogni immagine della Gandini e sentirete fluire in voi il tepore del mistero.

Silvano Agosti


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Come per le precedenti edizioni, la Biennale di Fotografia Postumia si prefigge di indagare gli aspetti più rilevanti del dibattito artistico contemporaneo, cercando autori che maggiormente si sono distinti per l’attenzione posta alla decodificazione della realtà, interessati ad individuarne le “zone d’ombra”, i mutamenti e gli incerti esiti, piuttosto che i percorsi più famigliari e accertati. Fra gli artisti che, in tempi non sospetti, si sono interessati a queste problematiche, si evidenzia Luigi Di Sarro di cui, in questa occasione, il Museo d’Arte Moderna e Contemporanea di Gazoldo degli Ippoliti propone uno spaccato storico significativo.

Antonella Gandini


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vernissage: martedì 26 febbraio 2010 ore 18,00
dal 26 febbraio al 20 marzo

testo di Joselita Giuffrida
sponsor VAPRO s.r.l.  

L’arte nella vita di Angelo Savarese è stata da sempre una pulsione prioritaria,direi una lotta nella sua vita tra quello che gli suggeriva di fare la logica di un lavoro tranquillo e la follia d’artista che pervade tutti quelli che nascono con questo “tocco di Dio” Sì lo ripeto “tocco divino” quello degli artisti, non solo Arte pittorica, musica, teatro, fotografia, che lui ama, sono arte. L’arte in Angelo Savarese cerca di emergere sin dalla giovane età, fanciullo cominciò a dipingere ispirandosi ai grandi artisti, questo gli è servito a “farsi la mano” come a volte si dice, come un andare a “bottega”. Ci incuriosisce conoscere questo artista, cominciamo con il ricordare che Savarese è nato a Napoli e si trasferisce a Roma in fasce, ma sembra avere ereditato dalla sua città natale il profumo di tutto quello che la rende una città tra le più conosciute al mondo. Magiche ragioni rendono unica Napoli, sembra a volte che sia il suo folclore che la imprime nell’anima, ma è la carica di arte che esiste “involontaria” in questa città che la fa unica, l’arte in questa città si trova ovunque: l’accento, i colori, la magnifica arte teatrale che ci ha dato tra i più grandi il celebre EDUARDO, si solo Eduardo … tutti conoscono quello che, con la sua carica umana fusa all’esperienza di nobile artista teatrale, è stato il più grande interprete Pirandelliano. Perché mi distanzio dalla Roma di Savarese? La Roma in cui ha vissuto? Perché solo la genetica del nostro passato ci proietterà nel nostro futuro. La storia, anche la nostra storia, può essere continuata, migliorata, cambiata, ma bisogna conoscere l’imprinting. La Caput Mundi, da noi tutti amata dove l’arte è a ogni angolo ha certo infuso in Angelo Savarese quello che sta maturando nella sua arte, ma non dimentichiamo che la vita lo aveva forzato a scelte di studio differenti, ma lui ha il suo imprinting! Sì il suo imprinting lo porta a lottare, trasformare quello che, se fosse stato un vinto, non avrebbe neanche pensato di fare! Cosa fa Savarese? Mette a frutto tutte le sue emozioni , tutto ciò che incontra nel suo lavoro, perché la sua anima d’artista non può fare diversamente. La sua esperienza di lavoro in Africa modifica la sua espressione artistica. Si libera dagli schemi geometrici, l’Africa con i suoi suoni, i suoi silenzi, i suoi bisogni, la sua dignità, maturano l’uomo Savarese, ma anche l’artista. Maturando nelle sue opere si scorge uno sguardo surrealista: “un occhio che ci guarda” che ti guarda: impaurito, inorridito, “ti guarda…” La sua pittura matura ancora e come volendo esprimere tutto il suo sentimento scrive sulle tele frasi di Pedro Salinas, scrittore spagnolo caro al suo cuore… una lunga storia racconta il bisogno di scrivere sulla propria opera … una storia antica e moderna, viene da dentro in ogni caso, sempre. Savarese sta camminando, cercando dove la sua maturazione lo porterà… lo scoprirà da solo e quando lo scoprirà… vorrà scoprire ancora, continuare il suo viaggio dell’anima. Penso esploderà in un’espressione per colori e musica, pensieri e profumi … tutto sarà sulle sue tele dove la “non figurazione” sarà la sua maturità artistica, il volo della sua arte sarà al di sopra di genere, tipi e movimenti artistici! Il movimento deve essere solo quello che sentono dentro tutti quelli che vedono le sue opere e sente lui prima di loro.

Joselita Giuffrida



The Centro Luigi Di Sarro in Cape Town 
Italian Ambassador Elio Menzione to open artist Erik Chevalier exhibition in Cape Town  on the 3rd of february 2010


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"La Gazzetta del Sud Africa"

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Ambassador Introduction:

Erik Chevalier is an Italian artist with a strong international vocation and projection.  Born in Rome, from a French father and a Danish mother, he has lived in Canada, Denmark and Ghana, and has studied Ethnography at Aarhus in Denmark and Photography and Visual Communication at the European Institute of Design in Rome.  After a nomadic life, he has settled down and presently lives on the beautiful Island of Sardinia.
With such a background, it is not surprising that Erik Chevalier has chosen, for this exhibition of beautiful and intriguing photographs, the leading thread of a travel through different European countries, an itinerary which materializes in a hypothetical family album, made up by re-elaborating new and old photographs with various techniques.  The final result is moving and sometimes ironic allusion to human condition and to the nomadic spirit which has deep roots in this artist’s personal experiences and view of life and which characterizes our time, a time of massive migrations, of constant and often dramatic uprooting, of exiles, of displacement of individuals, families and larger social groups.
I would like to thank Heidi Erdmann’s Photographers Gallery of South Africa for hosting this beautiful exhibition, which provides a valuable contribution to the thriving cultural life of Cape Town, a city in which I will have the privilege to spend the next weeks. My thanks also go to the Centro Luigi Di Sarro, which has promoted this South African adventure of an exhibition that started its life at Fotografia – Festival Internazionale di Roma of 2009;  and to all of you, for attending this opening and for accompanying us in this travel, evocated by these highly suggestive and intriguing photographs.


Opening by Alessandra Atti Di Sarro

Buonasera. thank you very much for coming.

I'm very happy to be here, because this is a project that I strongly wanted. I and my husband, Claudio, have been in South Africa many times, starting more than ten years ago. We learnt to love this country and his people. That's why I tryed to do something to give back. Than when I met Heidi Erdmann, the idea of starting a swop project to promote south african art in Italy and italian art in South Africa was - how can I say? - the best way to say thank you for the emotions and the warmfull hospitality that you and your country gaved us. And I must thank the italian consul in cape town Emanuela Curnis, for helping and encouraging Heidi and me to go on in this adventure.

I and my family work in Rome to promote and document the contemporary art reserch with a no-profit cultural association witch is in name of Luigi Di Sarro, my uncle, physician and artist, who tragically died at 37 years old, 30 years ago, in a period of political turmoil. He works a lot, between science and art, and left us a lot of works. So we decided to follow his passion and transform his medical studio in a place where other artists can find a space to show and discuss. Step by step, we followed his traces, and... this is another trip, witch I hope could be a long and emotional way for all.

so today I'm really very proud to introduce you Erik Chevalier. 


Opening by Erik Chevalier

I've always been fascinated by family albums in general, for what they say but especially for what they don't say. these pictures were taken in the countries that are important to my personal history but the triks they contain, the missing parts are about what they, as all family albums, don't say.
My personal family, as far as I'm concerned, starts in the spring of 1915 when my two grandfathers fougth the same battle on opposite fronts. It's considered one of the lowest points of history, the first time poison gas was used. it was fierce, cruel and immoral.
but the next generation set up family together and started another album....
I'de like to thank all the people who were involved for made this possible and expecially the italy's ambassador in south africa Elio Menzione for being here and for opening the show.


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The World Needs Us
By Heidi Erdmann (curator)

Inauguration: Thursday 19 November 2009, at 19:00 h (7pm) Exhibition from 19 November to 19 December 2009 Opening Times: 17:00 - 20:00, from Tuesday to Saturday, and other days by appointment only Free entrance

The World Needs Us is a group exhibition of South African artists: Norman O’Flynn, Nomusa Makhubu, Karlien de Villiers e Collen Maswanganyi. They are four emerging talents who live and work in Grahamstown, Cape Town and Johannesburg.

Well known for his big ironic paintings and sculptures, Norman O’Flynn is deeply interested in the human condition. His visual language is reflected in his canvasses full of comic strip hero’s, half-gods and the typical cow-hide spots.
In his work Nomusa Makhubu assembles the inputs of what he sees around him, between identity and history. He uses in fact his own self image in the majority of his photographic works.
Karlien de Villiers explores the murky waters of the sub conscience, but is not looking for either explanations or interpretations of the visions created by dreams and nightmares.
The works of Collen Maswanganyi are wooden hand-carved and painted sculptures, inspired by typical South African stereotypes and idiosyncrasies.
Whereas some of these artists reflect the reality around them, others address the more complex issues affecting their society.

This is therefore an occasion to get to know the young art of the most vivacious of African countries, whose great achievements in terms of democracy and multiculturalism not hide to the artist perception political and economics contraddictions already existent.

The Centro Luigi Di Sarro keeps on promoting international exchanges, by hosting the South African artists as part of a cultural project with Erdmann Contemporary, whose second stage will be the exhibition of an Italian artist in few months time at PhotographersGalleryZa in Cape Town, under the supervision of Heidi Erdmann, who has also selected the artists for the exhibition in Rome.
The collaboration between the “Accademia di Belle Arti” (Academy of Fine Arts) of Rome and the South African Universities of Grahamstown and Stellenbosch has allowed the organisation of some conferences and workshops with Italian students from different disciplines of art. A similar initiative is being planned with the Italian artists that are going to be hosted in South Africa.

The project in its entirety has obtained the patronage of the South African Embassy in Rome, the Italian Embassy in Pretoria, the Italian Consulate in Cape Town, the Province of Rome- office for cultural policies and the Academy of Arts of Rome.
Sponsor: Alpitour World


Note by the curator

This is the first of a series of exchanges between Centro Luigi Di Sarro in Italy and Erdmann Contemporary in South Africa.
South African art is well received internationally. These initiatives can further enhance such interest. Heidi Erdmann has a long record of co-operation with Italian artists in South Africa. She has promoted personal exhibitions of Nicola Samori, Greta Frau, Laurina Paperina and Nicola Vinci.
The exhibition The World Needs Us presents works by Norman O’Flynn, Karlien de Villiers, Collen Maswanganyi e Nomusa Makhubu. They are young, emerging but already acclaimed talents. Their art is inspired by a variety of topics, including identity, power, corruption, history, colonialism and the typical stereotyped idiosincrasies of South Africa.
In the very words of Erdmann: “I want to show the present trends of South African art, and at the same time I want to show the variety of the artistic tools used, photography, sculpture, painting and art installations. Thus I hope to offer the Roman public a rich perception of how vital the present artistic production is in our country. The personal touch of each of these artists is quite apparent in their works, but on the whole their production is an ample account of the South African reality, when presented as a group exhibition”.
The title of the exhibition is a result from the consideration that the world needs art and in general artists.



Claudio Cortellessa, Berlino: ìl Muro, 1989


“Siamo stati a Berlino…”
a cura di Claudio Cortellessa
inaugurazione: martedì 27 ottobre 2009 ore 18,00
dal 27 ottobre al 14 novembre
orario: 16,30 - 19,30 dal martedì al sabato
ingresso gratuito


Nell’ambito delle manifestazioni promosse dal Comune di Roma - Assessorato alle Politiche Culturali e della Comunicazione -, in occasione della ricorrenza del ventesimo anno della caduta del Muro di Berlino, il Centro Luigi Di Sarro presenta la mostra fotografica collettiva “Siamo stati a Berlino”, a cura di Claudio Cortellessa, in cui sette autori - Claudio Bellero (direttore della fotografia), Stefano Carofei (fotogiornalista), Erik Chevalier (pittore e fotografo), Claudio Cortellessa (fotogiornalista, regista, docente di fotografia), Claudio Farinelli (giornalista e tv-reporter), Fabio Fiorani (fotogiornalista), Antonello Nusca (fotogiornalista) - propongono un percorso fotografico di storia e di impressioni nel trascorrere del tempo, ognuno accompagnato dalle proprie esperienze e specificità professionali offrendo una visione dalle molteplici chiavi di lettura.

Un percorso anche tecnologico quindi, che Fabio Fiorani inizia mostrandoci l’ultima manifestazione per il Quarantennale della DDR, che prosegue nella “diretta” di Antonello
Nusca, a ridosso del Muro il fatidico 9 novembre del1989. Poi i percorsi quasi paralleli ma attratti da “segnali” diversi di Stefano Carofei e Claudio Cortellessa, arrivati dopo il ”fatto”, alla ricerca di tracce e di vita… Seguono nel tempo gli sviluppi: Claudio Bellero, che sorprende il cambiamento e l’evoluzione della quotidianità, e Claudio Farinelli affascinato dalle forme e suggestioni che la riunita e rinata Berlino offre a chi la guarda.  Erik Chevalier e il suo casuale incontro con l’artista Jannis Kounellis, ci porta infine ad alcune simboliche riflessioni su l’inarrestabile sviluppo delle città e dell’omogeneizzazione che questo, sembra, inevitabilmente comporti.

Le immagini, realizzate dal 1988 al 2006, mostrano alcuni elementi propriamente storici e molte indicazioni, suggestioni sulla mutazione, lo sviluppo, e i cambiamenti nella vita di questa città tornata unita e nel cuore di tutti gli europei, per le sue caratteristiche di vitalità e accoglienza.


“Siamo stati a Berlino…”
Nota del curatore

Nel 1961 avevo sette anni e non ascoltai evidentemente la radio di Berlino Est che annunciava, con una dichiarazione dal testo contorto, la chiusura dei settori e il blocco di Berlino Ovest.
Ricordo invece, come lo può ricordare un bambino che cresce - in immagini un po’ sfocate della memoria e sgranate in quel bianco e nero della tv di allora e dei rotocalchi dell’epoca - riprese rubate di quella città lontana in ricostruzione: fanghiglia un po’ ovunque, un muro che separava una stessa città,  “certi” Vopos che inseguivano, sparavano e a volte uccidevano persone che cercavano – in fotogrammi disperanti – di saltare quel muro…
Alcuni forse erano film… lo scambio delle spie, inseguimenti in vicoli bui, raffiche di mitra e il check-point Charlie che salvava, nel solito “arrivano i nostri”, i buoni americani di turno.
Era passato tanto tempo e tanta storia da allora, quando il 9 novembre del 1989, in un periodo di grande fermento nella vecchia URSS, da cui giungevano scricchiolii e smottamenti, così, quasi a sorpresa, quel muro in una notte cominciò a venir giù.
Prima fu un buco, ma in poche ore in quel monumento alla separazione e alla incomprensione si aprirono varchi sempre più ampi da cui transitarono – nei due sensi – folle festanti il cui sorriso e le lacrime di gioia e di dolore - perché certe sofferenze sono sempre nella tua mente e nei tuoi occhi - fecero sognare a tutti un mondo migliore: senza muri, senza confini, siano di cemento, di carta, o peggio nei pensieri.
Non ci furono dubbi su cosa avrei voluto vedere al più presto, se non immergermi, fosse anche solo per poche ore, in quella città che, nel bene e nel male, tanta importanza aveva avuto nelle vicende umane politiche economiche ma anche intellettuali ed artistiche della nostra Europa.
Il desiderio di cogliere, nel varcare quella maestosa porta – la Brandenburger Tor - divenuta simbolo di separazione, qualche segno della vita, delle persone - uomini, donne e bambini - delle case, del lavoro che mi permettesse, annusando l’aria di quel cielo così vasto, di capire forse qualcosa di come potesse essere stata la vita in quella Berlino per quasi trent’anni separata da se stessa.

Vent’anni fa la fotografia era ancora quella tradizionale analogica, la pellicola restituiva le uniche preziose matrici da cui ricavare positivi. Il digitale avrebbe atteso ancora per abbattere il “muro” dell’emulsione nata a fine Ottocento e tuttora efficiente, garantita e insuperata.
Allora lo sguardo attento dei fotografi valutava con attenzione ogni inquadratura, cogliendo in un attimo l’equilibrio delle forme ed i contenuti, il corretto rapporto fra tempo d’esposizione e diaframma, la messa a fuoco, per ottenere proprio quel risultato immaginato solo nella mente… Poi, per l’invio alle redazioni, telefoto o il famoso “fuori sacco”. Non erano tempi di view finder, autofocus selettivi, esposizione a zone computerizzate,  potenti memory card, lap-top, modem e wireless, né di post-produzioni e photoshop…
 Il risultato era nel bene o nel male sostanzialmente unico per quanto lo possa essere una fotografia.
Con il digitale si è aperta una nuova epoca della riproduzione e/o narrazione della realtà: un’infinita gamma di rappresentazioni offerte all’osservatore, a cui sempre più è richiesta una capacità d’interpretazione e decodifica delle immagini che si mostrano ai suoi occhi. (Claudio Cortellessa)


  Senza titolo, 1974-75,
fotomontaggio cm 80 x 100

Luigi Di Sarro: Fotomontaggi 1974-75
Inaugurazione: sabato 3 ottobre – Quinta Giornata del Contemporaneo
Dal 3 al 24 ottobre 2009
Catalogo: Edizioni Peccolo, Livorno


Dopo la retrospettiva livornese, il Centro di documentazione della ricerca artistica contemporanea Luigi Di Sarro  e l’Archivio Luigi Di Sarro presentano, per la prima volta a Roma, una serie dei "Fotomontaggi" realizzati da Di Sarro tra il 1974-75.
Accompagna la mostra un catalogo delle Edizioni Peccolo, Livorno, edito in 4 lingue, con uno scritto di Flaminio Gualdoni.

Luigi Di Sarro medico e artista, docente nelle Accademie di Belle Arti di Macerata e Roma, scompare nel 1979 a meno di 40 anni ma, malgrado la brevità dell'arco dei lavori, la sua opera ha una profondità e una intensità stupefacente.
Sempre aperto ad ogni possibile sperimentazione, ad utilizzare inusuali accostamenti tecnici nella inarrestabile ricerca della sua personale impronta.
La pittura, la scultura come pure il disegno, la fotografia o la calcografia sono i campi e le tecniche artistiche in cui ha voluto cimentarsi e sperimentare.
Questa sua febbrile attività lo colloca oggi tra i protagonisti di quella giovane generazione artistica romana che, a cavallo degli anni '70, stava aprendo nuove ipotesi di concettualità attraverso l'utilizzo dei differenti  media.


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Autore: Erik Chevalier

Titolo: “Viaggio & Viaggi”
Curatore: Claudio Cortellessa

Periodo: dal 4 al 26 giugno 2009

Inaugurazione: giovedì 4 giugno 2009 ore 18

Centro Luigi Di Sarro
Via Paolo Emilio 28
00192 Roma
Tel. 06 3243513


Nell’ambito di FotoGrafia-Festival Internazionale di Roma 2009 – VIII edizione, il Centro Luigi Di Sarro presenta la mostra di Erik Chevalier “Viaggio & Viaggi” a cura di Claudio Cortellessa.

Erik Chevalier è nato a Roma nel 1957. Dopo aver vissuto in Canada, in Danimarca e in Ghana compie i suoi studi di Etnografia all’Università di Aarhus in Denmark e di Fotografia e comunicazione visiva all’Istituto Europeo di Design di Roma), dal 1992 vive e lavora a Cagliari.
La sua ricerca fotografica densa di suggestioni scandaglia, non senza ironia, i sogni e le ansie dell'animo umano.
Scrive Claudio Cortellessa: “ …. viaggio geografico, sull’asfalto, nel cielo, rotaie d’acciaio, mari e maree, ma sempre un percorso del nostro sentire, della nostra memoria nel tempo e nello spazio che Erik Chevalier ritrova e ripercorre con l’affetto dei ricordi, vividi e sbiaditi, aggiungendo quel che nella vita ha incontrato …”.
La mostra si compone di una installazione di 12 foto a colori su plexiglas e di una serie di dittici tratte da un immaginario album di famiglia, realizzate tra il 1970 e il 2009.



Titolo: Notturno
Anno: 2007
Tecnica: acrilico, olio e collage su tela
Dimensioni: 130x150 cm

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a cura di Massimo Bignardi


26 marzo - 24 aprile 2009  


Giovedì 26 marzo alle ore 18,00  sarà inaugurata presso il Centro Luigi Di Sarro la mostra personale di Paolo Bini curata da Massimo Bignardi: in esposizione poco più di venti dipinti realizzati dal giovane artista campano in questo ultimo anno e, in parte, presentati nella personale allestita a Palazzo di San Galgano a Siena, nell’ambito della rassegna d’arte contemporanea promossa dalla facoltà di Lettere e Filosofia.
Questa mostra è l’occasione per fare il punto sull’ultimo anno di lavoro e di ricerca, cioè di messa a punto di un linguaggio pittorico che fonda sulla trasparenza, sulla dissolvenza definitiva dell’immagine, in virtù di un ritrovato interesse per la luce, intesa quale compagna di un intimo tempo di attesa..
“Il passaggio – scrive Bignardi nel testo di presentazione al catalogo pubblicato per l’occasione – non è stato facile, anzi lento, a volte sofferto, per il timore che si stavano definitivamente slacciando i fili di un legame con il valore della raffigurazione. Paolo Bini […] ha lavorato ininterrottamente in quest’ultimo anno spingendo la sua pittura a staccarsi da composizioni che trattenevano frammenti di immagini e di oggetti articolati in spazi a mo’ di scatole sceniche, per rivolgersi ad un dettato nel quale, se pur con brevi inflessioni di matrice gestuale, predomina l’emotiva essenzialità del colore. Va precisato che le prime, realizzate intorno al 2005 ed ancora sottoposte al ‘vincolo’ della figura, anche se avanzata quale impronta della sagoma o, se si vuole, dell’oggetto racchiuso nel suo contorno di forma, segnalavano una struttura lineare che impaginava, in brani sostanzialmente astratti, una sorta di diario intimo. Era, in fondo, un registro cifrato da un amorfo espressionismo che, solo per la traduzione mentale, ricordava la pittura intellettuale di Robert Motherwell, certamente non letto direttamente ma traslato dai cataloghi, come da alcune tardive declinazioni vive nella pittura italiana degli anni Novanta. Insomma Bini ha tentato, poco più di quattro anni fa, di dare un senso alla visione della realtà attraverso la memoria, impaginando i suoi segni-sagome in quelle ‘stanze’ che lui ama definire ‘memoria esterna’.  In fondo, il suo interesse era rivolto alla resa di oggetti svuotati del ‘corpo’”
Oggi, prosegue Bignardi, la pittura di Paolo manifesta  “un’inquietudine, propria di un’aurora, aurora – v’è l’obbligo di una tempestiva precisazione – che non è affrancamento ad un’immagine di uno stato d’animo nel quale l’artista riversa gli impasti di umori esistenziali, tanto meno metafora di un’epifania di luce percepita, bensì variante emotiva incuneata, cedendo alla metafora, tra la notte e il giorno, in pratica tra luci di realtà fra loro diverse implicando, quasi sempre, la memoria e la visione”.

Paolo Bini  nasce a Battipaglia (SA) nel 1984. Nel 2007 si diploma all’Accademia di Belle Arti di Napoli in Scenografia. Divide la sua attività artistica tra la pittura e la progettazione scenografica e, in questo ambito, sono numerose le sue esperienze: nel 2007 è assistente dello scenografo Gerardo Viggiano al Cinespettacolo della Grancia in Brindisi di Montagna (PZ). Del 2004 è la sua prima personale presso lo Spazio Marini di Battipaglia (SA). Tra le recenti esposizioni si segnala la personale promossa dal FAI di Salerno del 2006, mentre nel 2007 è selezionato per la mostra itinerante “Talenti emergenti” nell’ambito del MUSAE-Museo Urbano Sperimentale Arte Emergente, nelle città di Visciano, Jesolo e Cagliari; sempre dello stesso anno è la presenza alla rassegna “Echi temporanei”, tenutasi al Fondo Regionale d’Arte Contemporanea di Baronissi. Nel 2008 prende parte a“Espressiva from expressionism”, galleria PositanoNewArt contemporary; nello stesso anno tiene due personali, la prima al Palazzo di San Galgano, promossa dalla facoltà di Lettere e Filosofia dell’Università di Siena e, successivamente, “Risonanze dell’immaginario” presso il Teatro Moderno di Grosseto. Di recente è stato invitato alla mostra “Persistenze sul confine dell’immagine. Ripensando ad Andrea Pazienza”, organizzata dal Museo Civico di San Severo (FG).

Nell’occasione sarà presentata la prima monografia dell’artista curata da Massimo Bignardi
Ufficio stampa & Comunicazione: Fiorina Zara e Centro Luigi Di Sarro

Centro Documentazione Ricerca Artistica Contemporanea Luigi Di Sarro, Via Paolo Emilio 28, Roma 

Tel: 06 3243513 (orario 17-20 dal martedì al sabato)



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